我优求知网绘画专业论文篇1
关键词： 绘画基础；园林设计；专业教育；教学内容
中***分类号：TU986.2 文献标识码：A 文章编号：1006-4311（2013）17-0249-02
0 引言
绘画基础训练是园林设计专业教育的基础课，通过绘画基础的训练教育，旨在培养学生视觉观察方法及造型表现能力，使学生掌握生态学、园林植物与观赏园艺、风景园林规划与设计等方面的知识，使他们毕业后成为能在城市建设、园林、林业部门和花卉企业从事风景区、城镇各类园林绿地的规划、设计、施工、园林植物繁育栽培、养护及管理的高级工程技术人才，上升到对生活中美的发现与创造。因此，在园林设计专业教育中，必须具备绘画和艺术的鉴别能力，而这种绘画能力的提高，从这个意义上来讲，园林设计专业的学生，也需要从绘画基础训练做起，这一点是与绘画专业的基本要求是一致的，但园林专业毕竟不是绘画专业，园林专业是一门实用性很强的综合艺术专业，它的专业需求决定了园林专业的绘画教学应有自己的专业特色，不能完全采用纯绘画的教学模式和教学内容。如何在较短的时间内获得较好的教学效果，为园林设计专业的学生打好绘画基础，是值得认真思考和探究的重要问题。这在园林设计专业教育中具有重要作用。
1 园林设计中的绘画基础与专业特点
园林专业的基础绘画教学，在园林设计专业教育中的重要性是不言而喻的，它不但具有其他造型专业的共同要求，同时还有自身的特点，在园林设计专业教育中，对绘画基础的训练和掌握，一方面需要设计安排教学内容的依据，同时还要考虑园林设计专业教育自身的特点。传统在园林设计专业设计教学内容时考虑多是共性因素，对个性因素研究得太少，缺少以学生为本的教学理念，没有考虑到学生在思想深处想学什么，应该学什么，尤其在美术学发展日益丰富和多元化的今天，就会使园林设计专业教育中，容易出现导致绘画基础课与专业课脱节的现象。由于绘画基础训练，是园林设计专业教育中必须掌握的基础训练，但把园林专业绘画的基础训练与艺术绘画的基础训练作一比较，可以看到，在园林设计的艺术规范要求之内，对园林专业的绘画要求与艺术绘画具有不同的定义，园林专业的绘画既是“***”，又是“画”。园林专业绘制的“***”首先要体现出科学性和实用性；然后才考虑“画”体现出的艺术审美特性，虽然主次需要分清，但二者的综合才是科学性和艺术性完美的统一。常见的风景园林专业的绘画涉猎的内容和题材十分广泛，例如山水、树木花卉及各类欣赏或实用的人工构筑物等等，都可作为风景园林专业的描绘对象，因此，风景园林专业绘画训练的目的，就是将这些单体有机地综合与组织起来，创造美感很强的组合画面。这就首先要学会对物象的整体观察，要面对物象进行整体的观察，如物象的形体、比例、结构关系，都要通过观察给与确定。这就需要让眼光不停地不受妨碍地在物象上自由游动，这与普通人对局部被动地接受物象是不同的。只有对整体的观察有一个准确的结论，才能够画出好的画面，所以人们常常说，有怎样的观察就有怎样的画面。培养整体观察的能力，体会和感受形体的起伏变化和来龙去脉，提高自己的绘画能力。这样才能在这基础上创造出丰富变化、绚丽多彩的风景园林的画面。
2 园林专业绘画突出重点与多样性
园林专业绘画艺术相对其他视觉造型艺术来说，绘画只是园林专业的一项基础知识，因此，在园林专业绘画基础课的训练课时量安排较少，但时间虽少，需要掌握和学习的内容却很多，这在实践和内容上就形成了矛盾，如何解决好这个矛盾，是当前园林专业发展的关键，这里就需要解决一个突出的重点问题。就是如何安排绘画基础课的训练。例如，传统写实、现代变形以及介于二者之间诸多绘画的表现形式，尽管它们的训练方法各有不同，但它们都具有共同的艺术规律，在绘画基础训练时都应该加以注意，这样就可以事半功倍。就素描课训练内容而言，明暗素描可适当减少，可以利用绘本来临摹练习，都可以很快的掌握绘画的基础。应加大速写训练的力度。如要掌握人体绘画基础，就是要掌握先方后圆的基础训练，就是不要一上来，就急于用弧线画人体外形，要先学会掌握把人体可以按比例轮廓打成方框，比如可以把模特的头部、躯干、腿，按模特的动作画出大概的框架，然后在这个框架内再用线勾画出模特的外形，这样就会逐步提高绘画的基础。这样利用速写的能力，不仅可用来快速地收集园林的素材，而且在园林设计画草***时也常用，这些绘画基础对于园林专业的学习具有重要的作用，这是他们未来从事园林设计必备的基本功。速写看似简单其实要画好也很难，需要较长的一段时间练习才能掌握。如果掌握了这些基础训练，那么你在园林设计专业学习时就会得心应手，显现出绘画基础训练对园林设计专业教育中的重要作用。因此，要把握园林设计专业教学内容的丰富多样性，就是在突出重点的同时，适当地安排其他训练课题。使学生通过学习传统的书画艺术，才能有助于学生更好地理解中国传统造园艺术的内涵，提高学生的审美鉴赏力，为学生今后的工作打下坚实的基础。
3 绘画基础的技能训练和理论知识
空间构型，这种重技法轻理论的做法，导致学生对物象的观察认识和表现还只是停留在表层肤浅的层次，使学生停留在只要考虑画面的造型合理，很难深入到对象内部本质层次。这就使学生虽然掌握了一些绘画技巧，但艺术整体的素养却难以得到提高。因此，学生在这种条件下，很难对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，利用它们各具的功能，进行重新组合，使它们能够构成视觉中的美感。这时候绘画的过程就是“画人物不能只想到画肖像”“画物体不能只想到画物体”，技法训练在绘画基础训练中，固然是园林设计教学的一个重要方面，但更为重要的是要让学生了解技法背后的“道”。就是理论基础，在园林设计构思中，要通过剥离对象，净化对象，只有将复杂的形体单纯化，才能够使中国传统艺术主张和艺术创作达到“技进乎道”的境界，就是要把“技”上升到哲理高度来加以认识；这样才能够使模糊的形体明朗化。这样才可以使各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，建立一种空间的形体概念，才会具有最佳美感。因此，在绘画基础训练时，作为教师不仅要教学生画画，还要教学生构思物象整体的空间构型，这样才可以对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，使它们能够构成视觉中的美感。在绘画基础训练时，只要向学生讲明白为什么这样画。讲清楚其中的理论知识，这种理论知识一方面是指绘画技法理论，另一方面是美学原理和艺术理论知识，这时候绘画的过程，就达到了“画物体不能只想到画个体”，在构思中，这样才可以将各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，才会表现最佳的美感。
4 结语
对绘画基础训练在园林设计专业教育中的重要性的探讨，是当前对园林专业绘画基础教学内容的整体思考。上述的一些探讨，目的是为了更好地促进绘画基础训练的提高，因为通过绘画基础的训练，可以使学生在园林设计专业的发展中得到更好的发挥。显然，绘画基础训练在园林设计专业教学中具有重要地位，教师在教学过程中，应结合实际情况，尽量使学生提高绘画水平，给学生一个发挥自己能力的空间，使学生在今后的园林设计中得到优秀的作品。
参考文献：
[1]孙刚.浅谈素描的基础训练与绘画风格形成的关系[J].大众文艺，2012（24）.
[2].试论园林设计专业绘画基础教学内容的选择与整合[J].科教文汇（上旬刊），2010（04）.
[3]李腾.三大构成在园林设计专业中的教学思考[J].艺海， 2011（06）.
绘画专业论文篇2
关键词：观物取象 综合绘画 综合性绘画教学
一
我国目前的绘画教学体系大致有两种：一是综合性大学以美术教育专业或绘画系为基础，下设国画、油画、版画等工作室或教研室的教学模式；二是各大专业美术院校按材料划分的国画、油画、版画、壁画等为教学单位。这两种体系中，一类以对绘画语言普遍了解掌握为教学目标，另一类倾向于培养专业人才，如油画家、国画家等。然而，随着时代的发展，我们越来越明显地感觉到：就当下历史语境来说，这两种教学模式都陷入到了一种尴尬的境地。
上世纪90年代初，与绘画专业进行细化分科教学的方式不同，许多院校成立了综合绘画系或工作室，探索教育模式多样化，突破界限，拓宽绘画的教学实践。近些年来，是延续专业教学的单纯、细化、深度，还是寻求综合、多元、宽度的教学，尝试实践林风眠中西绘画的教育理论，一直成为美术院校教学模式理念上的问题，且各有说法及实验方式。
造型艺术教育细化的划分有助于深入的教学，并有行之有效、成熟的教学体系可用；而如果打破这种模式，打散各画种的框架，承继综合、多元的绘画教学，思维方式确实可以得到突破，但是却没有现成的教学体系可作为具体实施的参考案例，这从林风眠、吴冠中的绘画理念到美术院校近20年来的具体实践来看，都没有取得突破性的成果，这是综合绘画教学一直受到质疑而没有得到重视的问题所在。
二
艺术在进入21世纪的前十年，发生了很大变化。
“笔墨当随时代”，谈的虽是艺术创新问题，某种意义上，也暗指一个时代对于艺术创作的影响――每一个时代都有具体的艺术表现与反映，在大的社会背景下，不但作品需要有与之相匹配的思想与观念，教育也“当随时代”。
科技的发展丰富了创作的手段，也加快了信息传播的速度，这都对艺术的创作产生了重大影响。一方面，人们观看方式的变化带来对于***像的热衷，从创作到审美已经转化为一种多样化互动的形态；同时，绘画美学意义上的认知也正受到人类学、社会学意义上的挑战。这些现实的文化特征都对当下的艺术教育提出了更新的要求。
过去，传统的绘画学科从划分到教学，追求相对精确、深入――油画专业的学生在西画领域进行更精细、更专业的创作，培养成为油画家；国画专业的学生在山水、花鸟、人物的范围下系统学习，培养成为国画家……而今现实的状况是，当下的艺术创作与艺术教育更多是在以“跨界”的方式来运用各类艺术语言，以此丰富创作的造型元素。就画种本身而言，油画专业的学生未必今后从事油画创作，国画专业的学生也未必就坚守“笔墨”，并非每一个个体都从一开始就选择了不可变的艺术手段。对教学而言，在大学完成其自身专业的系统学习，为今后的艺术创作做好准备当然是重要的，但是，颇显单一的语言训练，往往会导致其在艺术创作中的局限性，于是，反复被提出与论证的“综合教学”，也就是林风眠、赵无极、吴冠中等先辈提倡主张的“综合性”的教育，虽然在各大院校教学实践的探索效果并不太明显，但是这种模式主张博大，付诸的实践多了一层文化比较的研究性质，更具有艺术史角度的文化意义。
事实上，20世纪以来的西方艺术家已经在改变单一的语言方式，如毕加索大量运用着油画、版画、雕塑等语言手法。西方美术院校的绘画教学也已经融入到视觉艺术的大范畴之中。法国高等美术学院的绘画教学给予学生更大的自由选择度，在一个大的绘画工作室框架下实施作品的制作，其材料语言的限制已经没有。
三
百年来，关于中西文化的话题从没有停止过，在绘画方面，就是油画与国画的问题，无非“中”“西”“中西调和”三个群体，有不断的细化、分类教学，也有不时强调综合、全面的尝试；而综合性绘画是在“中西绘画融和”方面能够以贯通的方式来达到教学目的。笔者以为，综合性教学上效果并不显著，是因为其问题是多方面的。
在教学理念上，中西绘画各自有着不同的造型理念与手法体系，这是各自语言的优势。在基础教学时，难免会忽略对传统艺术语言及经典的研讨深度，而对综合绘画的教学要求会更高、更全面，有两种或几种绘画语言均要求有较为系统的学习，并达到一定程度上的认知。其次，中西绘画最直接的区别在于材料不同，因此陷入一个“材料”的潜意识――对材料的关注远远超出对绘画的理解，最终导致综合绘画演变成单纯的综合材料，绘画的因素在这个过程中脱落，不能在造型层面上形成一种绘画语言。这些例子，都是为了说明综合性绘画的宗旨并非简单地跨画种组合，而是在融合中西艺术精神的基础上，力求艺术语言的多样化。不过，如今综合绘画的实验教学正在远离这个宗旨的情境，不知不觉中演化成现在颇受关注的“新媒体艺术系”“实验艺术系”的草创。结果是，综合绘画教学如强调艺术语言的深入研究，则有更细化的工作室教学在前；如强调材料与多元性质的探讨，则有更新的实验艺术的教学探索，综合绘画的教学自然就被置于尴尬的位置。
因此，回到绘画作为视觉艺术的原点再来看待这个问题，无论中西绘画，都是在艺术家与对象世界中呈现人与自然的视觉关系。概括而言，即“观物取象”，从而“立象以尽意”。综合绘画的教学也不例外。
四
“观物取象”告诉人们“观物”的方式，更重要的是告诉我们艺术创作中认识论的基本规律，而“取象”的手法属于方***。至于中西绘画，具体选择哪种语言手段来“立象以尽意”才是紧要的，只是综合绘画的教学往往被外在的形式所束缚，忽略了这个美学要义，甚至从某种意义而言，“综合绘画”只是一个课程称呼。
历史地看，我们可以重新去解读吴冠中“美术自助餐”①的设想。笔者认为，不管是分科的教学方式，还是“综合绘画”或者“实验艺术”的教学模式，都打破了把学生归于各门类“从一而终”的固定教学，学生根据自身所需，在系统的教学纲要基础上，选择要研习和补充的各类语言，可以随时调整、随时汲取，无论是油画、国画、版画等，还是相关的艺术理论和文史哲知识。这样建立起来的知识架构，才是几十年来我们一直探讨却难以破解的问题所在。
注释：
①即开设中西各种传统课程，学分制，自由选修.
参考文献：
[1]叶朗.中国美学史大纲[M].上海:上海人民出版社，1985.
[2]中国美术学院.综合绘画[J].杭州:中国美术学院出版社，2000.
绘画专业论文篇3
1 以理论性为基础，阐述服饰绘画的相关知识体系
服饰绘画是绘画与设计的结合，是设计者艺术素养和表现技巧的综合体现，它全面展示着绘画与设计结合的魅力和强烈感染力，传达着审美理念和情感，对绘画和设计提出了更高要求，需要在技法学习基础上进一步加强系统理论深度的钻研。该书重视理论建构，认为一个有扎实理论基础和较强职业素养的人，往往能够形成自身独特的绘画和创新意识风格的设计作品。目前社会上从事服饰设计的大多是培训机构经过简单的强化固有模式化训练的绘制手段，忽略绘画本质的审美功能和创意方面培养的在岗人员，专业院校的毕业生从业率较低，极大限制了行业的发展。对此，作者针对从业者既要有深厚的绘画知识和技法，又要有对服饰的独特理解和服装设计相关知识的储备，编写了这本符合职业技能要求的让学生学以致用，顺应市场接轨，做到静态与动态教育紧密结合的教学用书。
该书系统介绍了服饰绘画所需的基础知识，包括服饰绘画的概念、特点，初学者需要注意的问题，明确指出服饰绘画的特征、实质和内涵，并且注意区分服饰绘画与服饰效果***之间的不同，对服饰绘画的形式美感进行详细具体阐述。从本质上提高学习者对绘画和设计的认识，提升自身的审美品味和水平，深入研究服饰绘画所表现的主题精神，从而使设计更加具有风格和内涵，提高学习者的服饰绘画水平等本质技能，最终创作出具有高品位、高格调的艺术作品。
2 以创新性为特色，展示服饰绘画的前沿理念
服饰最能够体现时代风尚潮流，服装的款式、材质、搭配都是设计者审美和时尚感知的鲜明表现。当绘画与设计邂逅，如何通过绘画体现设计者的理念和思维就成为服饰绘画的一个重要课题。该书在编写的过程中，始终站在时尚前沿，通过绘画表现人物的整体形象，体现设计者新潮的概念，体现了该书创新性的特点。这种创新性集中表现在两个方面。一是对服饰本身的创新。该书在人物整体形象的设计上非常新颖和独特，个性突出，给人以极强的美感和视觉冲击。二是绘画手法的创新。随着社会的进步和科技的发展，计算机技术影响各行各业，服饰绘画既可以通过手绘，也可以依托计算机多媒体技术进行绘制。
该书向服饰绘画的学习者和从业者传达出一种观点：服饰绘画是一项与时尚息息相关的艺术表达，脱离了时尚，就会失去生命力，失去活力和色彩。服饰所表现的审美艺术价值与绘画形式意识一脉相承。服饰本身就是艺术作品，其形式美感拥有独特的地域文化意味，具有固有的造型、色彩、***案等蕴含丰富人文风情的特点，绘画从服饰中吸取其形式语言，对人物形象气质的塑造做到准确的描绘和表现。所以，在从事或者学习服饰绘画时，必须具有敏锐的时尚触觉，善于运用最新的绘画手法，表现最新潮的服饰穿搭，最后创作出整体和谐美观，细节精致独到的服饰画作品。
3 以实用性为重点，讲解服饰绘画的表现技巧
该书的研究重点放在了服饰绘画的表现技巧上，围绕人物的形象设计的主题，针对人物的着装、配饰、化妆等，致力于培养设计者熟练的绘画表现能力和艺术创造能力，锻炼形象设计从业者的素描、水彩、速写等绘画基础，从而进一步提高其整体的艺术素养。
一是对绘画工具的介绍。要想创作一幅完美的服饰绘画作品，合适的绘画工具必不可少。该书详细介绍了绘画用具及应用，对常用工具、颜料、纸张及特殊工具进行了***文并茂的展示，包括铅笔、钢笔、炭笔、马克笔、勾线笔、毛笔、蜡笔、油画棒、水彩笔等辅助工具材料，为初学者选择适合的工具提供了参考和借鉴。
二是对绘画技巧的阐述。绘画技巧是该书的研究重点，要扎实掌握服饰绘画的技巧。“人”作为服饰的主要载体，其绘画技法是以人物造型为主体，通过人物形态、发型、妆容等造型设计塑造，借助绘画表现形式，衔接设计者的构思。因此要重视人本身的全面认识和理解。该书细致讲解了人物头部表现，规范了五官“三庭五眼”的绘画方式，提出了“美”的重要标准，有助于设计者创造出具有视觉美感的人物形象。同时对人物整体的结构比例、具体的脖颈、手部、脚部的表现以及不同人种、不同年龄、人物动态与表情、服饰配件的表现等进行了详述，涵盖了大量服饰绘画需要注意的基础技巧，这对加强服饰效果有重要的表现作用。
其次需要对服饰绘画色彩运用、笔触、材料选用等方面有一定的掌握。水彩、粉画等水溶性材料，灵活方便，由水与色的冲撞泼出时尚感，能够绘制出棉、麻、丝、毛、皮等不同面料的质感，产生偶然、灵动曼妙而清透的视觉效果，也可以像油画那样具有凝重的绘画性特色。色彩的表达离不开笔触的形式载体，无论是手绘制***还是多媒体电脑制***，一幅好的服饰绘画作品，除了有好的构思创意，还要通过相符合的技法、工具材料的合理选用，才能准确传达服饰信息，使时装具有立体感，营造出特有的形象意境，有效诠释设计者的预期构想，增强画面的艺术趣味性，凸显画面立意的“新”、“巧”、“妙”，这对夯实学习者服饰绘画基础具有积极导向作用。
4 以专业性为指导，精心设计服饰绘画的规范教材
服饰绘画课程是一项专业性较强的课程，需要学习者具备扎实的专业功底和专业素养，该书是形象设计专业教材，体现了极强的教材属性。
第一，该书意识到服饰绘画教学对象的大众化和多样性，以“学生”为主体，根据其特点、市场需求从全方位、多角度的视野对服饰绘画进行了系统的梳理。
第二，该书以指导为目的，重点对服饰绘画的技法进行解读。该书在绘画技法章节讲解中配以大量的实践作品以辅助理解和享受服饰绘画对我们视觉神经的刺激，***禁锢着学生思想的枯燥乏味的纯理论知识深渊，让其感受到直观而真切的亲身体验。如“服饰绘画的色彩表现方法”中，列举了丰富的色彩表现手段，一目了然；又如“服饰绘画的方法和步骤”一节，给出分步骤***例讲述单纯的疏密黑白勾线、填色勾线、***案、拼贴、明暗等表现技法，使勾线和涂色的过程清晰；再如，“服饰绘画面料质感及风格表F”一章，结合***例讲解了不同面料的肌理表现，助于学习者更好地把握服装质感和风格。这些都体现出该书极强的指导性和教材性，即使是初学者或者自学者都可以按照教材进行学习，很好地解决了“画什么，怎样画，画成怎样”的问题。
绘画专业论文篇4
【关键词】基础绘画教学；理论与实践
素描和色彩是艺术设计专业两门重要的专业基础课。艺术设计的学生在进入大学前都有一到两年的绘画时间，甚至更长。而进入大学后首先要学习的依然是素描和色彩。素描作为一切绘画艺术的基础，以培养学生的观察能力、造型能力和绘画表现能力为主要目的。色彩是培养学生对色彩理性和感性认识，培养学生色彩的审美及运用能力的课程。然而艺术设计类学生并非专业绘画类学生，他们的专业性质决定他们需要的是创造能力，创新能力。对现代设计的敏感和洞察是学生们首要解决的问题。这样一来传统的素描和色彩的教学模式能否能够解决这一问题，是值得我们思考的。我个人认为这两门课程需要除了大量地与实践相结合还需要先进行学情分析，应了解学生的学习思想、学习习惯，尤其是应掌握学生对基础课程的学习兴趣，千遍一律的教学方法和模式是不是发挥不出学生的创造能力，同时会不会消灭学生对绘画的兴趣。所以针对艺术设计类的学生的基础教学需要换一个角度和方法进行引导，为以后的专业设计能力的开发最好准备。
90后的学生有着自己的学习特点，大多数学生思维活跃，发散性思维较强，但却缺乏设计者所必备的沉静和专注。大多数学生在学习中都缺乏专注的学习态度。这对于学习艺术设计以及今后的艺术设计从业者的基本素质确实是一个欠缺与不足。针对这一现象，个人总结绘画教学应当如：吴带当风、曹衣出水。
一、实践教学当如“吴带当风”
从50年代起，我们就一直沿用苏联的一整套教学方法，就当时而言，这是最行之有效的方法，它也为我们国家培养了许多优秀的艺术家。但随着时代的不断变化，西方更多的文化传人进来，仅是这一整套造型教学模式完全不够用，很多学校或是教师开始了寻求别的出路。学习的过程是需要摸索的，包括我也并没有真正从中领悟其重要的文化精神，那就是对绘画真理的认识。我们在西方文化中知道了印象主义、野兽派、立体主义……，知道了马蒂斯、凡高、比加索……，可我们并不知道他们绘画的过程是怎样的，所有人都是独自一人在作画，最后拿出自己已经画好的作品而引起轰动。任何绘画都有自己独特的艺术面貌，艺术家根据自己对画种的掌握程度来决定自己的风格特点，这需要长期地艺术实践，不断探索和总结最后形成一系列丰富多彩的表现技法，独具一格的艺术语言。现在目前我们的教学模式似乎有“子承父业”之嫌疑。一般在上课开始先有任课的教师摆放静物或模特，然后作示范，画出所谓的“范画”，最后学生根据“范画”再来画，画的过程中教师还会时常帮助学生修改画面来达到自己满意的效果。这样的教学只能是培养一批千遍一律的“画工”，不能达到大学培养的目的和要展现的结果。我认为在大学这个阶段的教学应尽量地让学生自己去表现，不能给其定死所要画的内容，应该让学生自己去找自己所感兴趣的事物来画。至于所要表现的形式、色彩、方法教师更不能过多的干预，更你不能说是要为其画“范画”了。这也不是说一点都不管，完全的放任自由，对于一些原则性问题还是应该指出的。我将这种方法称为“吴带当风”，这本来是指唐代时期画家吴道子所画的人物衣服非常随意飘动，像是有风吹过似的。那么，拿来教学过程里面来比方，只要学生所画的如这“衣服”一样还在人的身体上，那就不应该限制“风”应该朝哪面吹，这样才能发挥学生在绘画中的主观能动性，尽可能展现出“千遍千律”。
二、理论教学当如“曹衣出水”
文艺复兴开始绘画拥有了空间和透视的关系，千百年来西方绘画将此作为绘画的基础。我们学习西方，所以从学画开始就必须学会“近大远小”、“一点透视”等理论知识。作为大学的教师，面对已经有一定基础的学生，但不能忽视这些理论的讲授，应该把理论的讲授放在绘画教学的首要位置上。绘画常识理论和技法理论的讲授，可以帮助学生了解掌握解剖、透视、比例、色彩、空间、明暗等等变化规律及构***法则，理性认识技能技巧的要领，为绘画实践打好基础。教师在讲解这些理论时，要求表达要清楚、语言要清晰、简明扼要，并要尽可能得讲深讲透，如有可能还要进行实地观察及演示等实践相结合。例如在讲授由于视点位置的不同所观察到的物体会产生变形、消失现象及近大远小的透视规律时，可以引导学生运用观察感受（室内桌凳、窗户，室外楼房、马路等变化）的方法来获得知识；在讲授构***法则时，通过同一主题的几幅不同构***形式的***例，使学生的思路有所依据，在认识和比较中获得知识。如果教师在理论上作不切实际的过分阐述，或者教师本身对各种力量也只是一知半解的话，也就必然缺乏针对性，不可能讲得深透，演示到位，学生不仅得不到要领，也会在实践中无从下手，更谈不上发展其创造性绘画。可这样说，绘画理论课教学效果的好坏直接关系到学生的后期绘画技能的提高与发展。这我们可以把理论教学称为“曹衣出水”。曹仲达在画人物时所画人物衣衫紧贴身上，犹如刚从水中出来一般，人物的衣服与身体结合的密不透风，因此，我理解理论的教学和也应该做到密不透风，要向对待科学一样的严谨。
艺术设计基础绘画课教学中理论环节是严谨而不能马虎的，实践环节则应是多方面的引导，不能千遍一律的。在基础绘画课教学中，教师面对不同的学生，要因材施教，在思维方式上去正确引导学生，让学生敢于求新，在不同的教学阶段，通过分析点评学生的作品来找到优劣点。只有改革传统的教学模式，培养学生思维的独创性和灵活性，构建新的适应时展的艺术基础绘画课教学模式，方能使高校培养的艺术设计人才具备良好的综合素质。
参考文献
绘画专业论文篇5
学校名称：天津商业大学
办学类型：全日制普通高等学校
办学性质：公办
办学层次：硕士、本科
二、学校简介
天津商业大学前身为天津商学院，由国家商业部和天津市人民***府于1980年创建。1998年实行中央与地方共建、以地方管理为主的管理体制。2007年更名为天津商业大学。学校以建设成为特色鲜明的高水平商业大学为目标，为科教兴国作贡献。
学校的学科涵盖管理学、经济学、工学、法学、文学、理学、艺术学等学科门类。目前占地1379亩，建筑面积55.7万平方米。现有商学院、机械工程学院、生物技术与食品科学学院、经济学院、信息工程学院、法学院、公共管理学院、外国语学院、TUC-FIU合作学院、国际教育学院、理学院、艺术学院、设计学院、高职与继续教育学院及马克思主义学院15个学院和大学外语教学、基础课教学、体育教学3个教学部。学校现有54个本科专业，68个硕士点，其中一级学科硕士点9个，专业硕士点10个，在校生近2.3万人。
在学科和专业建设上，学校围绕经济建设对人才的需要，坚持多学科相互支撑、协调发展，逐步形成应用学科的综合优势。学校拥有5个省部级重点学科，4个特色专业，11个天津市品牌专业，2个天津市重点实验室，“管理创新与评价研究中心”天津市人文社会科学重点研究基地，以及冷冻冷藏技术***工程研究中心，热能与动力工程实验教学示范中心，国际酒店管理人才培养模式创新实验区。
在人才培养特色上，学校坚持主动适应社会需求，培养商学素养与专业能力结合、知识学习与实践能力并重、诚信做人与创新能力兼备的复合型创业型应用人才。
学校积极发展国际交流与合作，不断学习借鉴国外先进的办学经验，先后与美国、日本、韩国、法国、澳大利亚等国家的30多所高校建立了合作伙伴关系，开展多形式的交流，提升学校的办学水平，共同培养人才。
学校遵循高等教育发展规律，坚持立德树人，坚持人才强校，坚持特色发展，坚持国际化办学，完善复合型创业型应用人才培养体系，提升学校综合实力，为建成特色鲜明的高水平教学研究型大学而努力奋斗。
三、艺术学院、设计学院简介
天津商业大学艺术类专业始建于1992年，经由装潢设计、工业设计、艺术设计、绘画、动画等专业不断发展，师资队伍不断壮大，现有艺术学院和设计学院两个学院进行艺术类专业人才培养。经过二十余年的发展建设，学校现有绘画、视觉传达设计、环境设计、产品设计、动画等5个艺术类专业，拥有艺术类专业在校生近1400人。
艺术学院设有绘画专业，为突出商学艺术人才培养特色，学院在专业建设上进行细分，设立中国画、油画、商业插画、艺术管理等专业方向。学院师资队伍精干，有专攻中国山水画、花鸟画、油画、雕塑、书法、艺术理论等方向专任教师20名。自建院以来，艺术学院教师已先后出版专著及艺术作品集25部，教材10部，其中天津市“十五”规划教材1部，国家“十一五”规划教材4部，出版译著5部，在各类期刊发表学术论文60多篇，艺术作品800余幅，参加各类艺术展览30余次，2人次获银奖，9人次在国内外举办个人画展。
学院始终坚持以人为本，以培养高层次、综合型人才为己任，不断改进培养模式，不断拓展培养渠道，丰富培养层面。学院学生已有236人次参加了全国各类艺术设计大奖赛，39人次获作品入围奖。2005年，在第十五届台湾与大陆联合举办的“时报金犊奖”设计大赛中获大陆决选优胜奖;2007年，在中国广告协会主办的“2007—2008第六届中国大学生广告艺术节学院奖”设计大赛中获全国金奖;2008年，在***高等教育司主办的“第二届全国大学生广告艺术大赛”中，获平面类作品全国二等奖及天津赛区一等奖、天津赛区优秀奖;2013年荣获第五届全国大学生广告艺术大赛天津赛区优秀奖;荣获“我的中国梦”天津市高校公益广告设计大赛平面类作品优秀奖，荣获天津市青年新媒体创意创业节微动漫比赛三等奖，荣获天津国际设计周设计竞赛入围奖;2014年荣获天津市高校公益广告设计大赛平面类作品优秀奖，荣获中国当代大学生艺术作品年鉴评选优秀奖。
学院与许多国家的教学和科研机构建立了良好的交流合作关系。近年来，艺术学院先后有多人次出国访问、讲学、开展合作研究或参加学术会议，举办多次国际学术会议、文化交流活动，接待海内外专家学者来访、讲学多人次，为促进中外文化之间的交流做出了重要的贡献。
设计学院设有视觉传达设计、环境设计、产品设计、动画4个艺术类专业和工业设计1个理工类专业。学院教职工40人，其中教授3人，副教授10人;学院教师士3人(含在读1人)，硕士23人。近年来，学院教师已出版专著、译著、作品集、教材等近20部;在各类期刊发表学术论文120多篇，艺术与设计作品1800余幅，参加各类展览、举办个人作品展近30次;承担各级别纵向课题30多项;获国家设计专利近20项;获得设计创新影响力单位奖。设计学院实验室设备资产约850万元，占地面积1428平米，面向设计学院五个专业及学校其他相关专业开放。学院学生在全国各类艺术设计大赛中，共获得奖项32项，其中一等奖5项,二等奖1项,三等奖2项，优秀奖及其它24项;省部级奖项159项，其中一等奖9项，二等奖14项，三等奖20项，优秀奖及其它116项。以学院学生设计作品为主要内容而出版发行的设计作品集、教材等共7部。
四、艺术类专业介绍
绘画专业
包括中国画方向、油画方向、商业插画方向和艺术管理方向。
1.中国画方向
培养目标：
本专业方向培养在中国传统绘画领域内，具有扎实的传统绘画功底与艺术史论基础;熟悉艺术商业市场运作;了解艺术策划形式;能掌握良好的公共艺术创新意识;掌握先进的艺术经营方法和一定艺术管理能力的复合型创业型应用人才。
主要课程：
素描、色彩、二维构成表现、中国美术史、综合材料、当代水墨研习、中国书法表现、中国工笔画技法、中国画论，中国画山水、中国画人物、中国画花鸟、中国画创作等课程。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
毕业生就业去向：
学生毕业后，可在各类美术创作团体、商业美术制作单位、各类美术展馆、各类媒体及出版单位、艺术市场经济管理部门从事艺术创作、专业教学与实验等相关工作。
2.油画方向
培养目标：
本专业方向培养在油画领域内，具有扎实的绘画与艺术史论基础;熟练掌握油画的各种技法和材料;熟悉艺术商业市场运作;了解艺术策划形式;能掌握良好的油画与公共艺术创新意识;先进的艺术经营方法和一定艺术管理能力的复合型创业型应用人才。
主要课程：
素描、色彩、二维构成表现、西方美术史、置换与空间造形主题创作、综合材料、绘画透视、油画静物、油画人物、油画创作、综合绘画创作、影像绘画、综合绘画创作等课程。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
毕业生就业去向：
学生毕业后，可在各类美术创作团体、商业美术制作单位、各类美术展馆、各类媒体及出版单位、艺术市场经济管理部门从事艺术创作、专业教学与实验、艺术监管及展览策划等相关工作。
3.商业插画方向
培养目标：
本专业方向主要培养当代商业插画领域内具有扎实的艺术绘画基础、熟悉插画设计流程、了解各类画种的表现形式、手段、材料，能够掌握较为先进的设计方法和插画理论前沿知识，具备良好创新意识和手绘、设计能力的复合型、应用型专门人才。
主要课程：
素描、色彩、中国
美术史、西方美术史、二维构成表现、绘画透视、置换与空间造型主题创作、综合材料、中国画写意、商业插画与装饰绘画、***案设计、***形创意、编排设计、动漫设计、商业插画、综合绘画研习。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
毕业生就业去向：
学生毕业后，可在出版(书籍、期刊、报纸)机构、平面媒介部门、商业网站平台、专业插画设计公司、动漫设计公司、企业宣传推广部门、教育教学机构等相关单位就业。
4.艺术管理方向
培养目标：
本专业方向主要培养当代艺术市场营销领域内具有扎实的艺术史论基础、熟悉艺术商业市场运作、了解一定的艺术品销售形式，能够掌握较为先进的艺术管理方法和艺术市场前沿知识，具备良好艺术经纪、经营能力的复合型、应用型专门人才。
主要课程：
素描、色彩、绘画透视、工艺美术史、计算机辅助设计、艺术实践、摄影等基础课程，同时要学习艺术管理学、艺术品鉴赏(包括书画、玉器、陶瓷)、艺术市场调查、艺术品投资与拍卖、艺术与文化创意产业考察等专业课程。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
毕业生就业去向：
学生毕业后，可在美术馆、艺术展览馆、艺术博物馆、艺术品拍卖行、艺术品典当行、教育教学机构等相关单位就业或担任企业、集团或个体艺术家的艺术经纪人。
设计学类(按大类招生)
包括视觉传达设计专业、环境设计专业和产品设计专业。
1.视觉传达设计专业
培养目标：
本专业培养当代平面设计领域内具有扎实的设计基础和现代商学素养、熟悉商业设计流程、掌握较为先进的设计方法和设计理论前沿知识、具备良好创新意识和视觉传达设计能力的复合型、应用型专门人才。
主要课程：
设计素描、设计色彩、计算机设计软件基础、艺术概论、公共关系学、中外设计史、设计•商业•文化、设计心理学、二维与三维构成设计基础、***形创意、公共设计原理、手绘综合表现、摄影、环境设计初步、设计文论写作、艺术采风、设计考察、印刷技术、广告传播学、企业形象设计、文字与版式设计、创造性思维训练与拓展、书籍装帧、装饰艺术、包装设计、平面广告设计、数字媒体设计、展示与陈设、网页设计、设计市场调查、印刷材料与工艺等。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
毕业生就业去向：
学生毕业后，可在各类传媒机构(电视台、报社、杂志社)、大中型企业营销策划部门、品牌设计与推广部门、商业网站平台、专业广告公司、平面设计公司、包装设计公司、教育教学机构及出版机构等相关单位就业。
2.环境设计专业
培养目标：
本专业培养当代环境设计领域内具有扎实的设计基础和现代商学素养、熟悉商业领域建筑的室内外环境设计与施工流程、了解装饰装修材料与工艺、具备项目策划与经营管理能力、掌握较为先进的设计方法和设计理论前沿知识、具备良好创新意识和环境设计能力的复合型、应用型专门人才。
主要课程：
设计素描、设计色彩、计算机设计软件基础、艺术概论、公共关系学、中外设计史、设计•商业•文化、设计心理学、二维与三维构成设计基础、***形创意、公共设计原理、手绘综合表现、摄影、环境设计初步、设计文论写作、艺术采风、设计考察、人机工程学、装修材料工艺与施工制***、中西建筑艺术与装饰、室内设计程序与方法、室内空间设计、建筑设计基础与方法、室内专题设计、家俱设计、中外园林景观设计综述、室内装饰陈设设计、旧建筑改造及室内设计、设计市场调查、建筑景观模型制作与工艺等。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
毕业生就业去向：
学生毕业后，可在城市规划建设
部门、建筑设计院所、企事业策划宣传部门、建筑与环境设计机构、商业推广传播机构、专业景观与室内设计公司、教育教学机构及出版机构等相关单位就业。
3.产品设计专业
培养目标：
本专业培养当代工业产品造型设计领域内具有扎实的设计基础和现代商学素养、熟悉产品设计的流程和市场需求、把握产品的功能、材料、结构、外观和加工工艺、掌握较为先进的设计方法和设计理论前沿知识、具备良好创新意识和产品设计研发能力的复合型、应用型专门人才。
主要课程：
设计素描、设计色彩、计算机设计软件基础、艺术概论、公共关系学、中外设计史、设计•商业•文化、设计心理学、二维与三维构成设计基础、***形创意、公共设计原理、手绘综合表现、摄影、环境设计初步、设计文论写作、艺术采风、设计考察、人机工程学、产品设计、工业设计思想基础、产品构造原理、产品设计方法学、造型材料与工艺、产品形态设计、产品模型制作与工艺、模具设计基础、设计市场调查、交互设计、体验设计等。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
毕业生就业去向：
学生毕业后，可在工业设计专业部门、产品研发设计院所、产品设计推广传播机构、企事业单位、教育教学与出版机构以及与产品设计相关的交互设计、信息设计、视觉传达、环境设施设计、展示设计等相关单位就业。
动画专业
培养目标：
本专业培养学生能够掌握动画创作的基础理论、动画专业知识和职业技能;理解动画产业发展状况、新技术与新媒体的应用。培养以文化(创意)产业理念为先导，具备创新意识和实践能力的商业动画广告专业人才。通过专业知识的学习，本专业学生将有能力在动画产业链条中的影视与动画制作团体、动画应用机构、动画传播等企事业单位从事动画策划、动画创作、动画设计与制作、动画推广与应用，以及在各级各类院校、科研院所从事动画教学与研究工作的应用型、创新型人才。
学生在学期间将通过动画专业学科基础课程、专业核心课程、专业选修课程以及实践类课程的学习，构建起完整的动画专业知识体系。本专业知识体系的构建，通过对电影美学、视听语言等一级学科的理解，经历动画素描、动态速写、色彩表现等学科基础课程的训练与动画概论、世界动画史等学科基础理论课程的熏陶，深入原动画基础、运动规律、动画广告等专业核心课程的学习，利用摄影与摄像、实验动画、动画编导与剧作、动画表演与创作等专业选修课程的拓展，逐渐形成一套完整的知识体系。在课程知识体系的构建过程中，授课教师将启迪学生的创新意识，提高学生的创新能力;注意培养学生积极响应课堂讨论与学术交流，提升学生的表达和沟通能力;大力提倡学生的合作意识与团队精神，发挥其组织与合作能力;鼓励学生参与社会实践，增强其自主创业能力。
主要课程：
专业导论、电影美学、动画概论、动画广告、视觉传达设计、原动画基础、视听语言、运动规律、计算机二维动画基础、计算机三维动画基础、计算机辅助动画设计、摄影与摄像、分镜头脚本、动画角色设计、动画场景设计、动画编导与剧作、动画表演与创作、非线性编辑与影视后期、实验动画、世界动画史、课程设计、课程开题报告、课程设计实践、中国电影博物馆参观、文化艺术考察、动画产业链考察、毕业设计等课程。
学制：四年制本科
授予学位：艺术学学士
绘画专业论文篇6
【关键词】绘画基础 艺术设计课程 作用分析
在高校艺术设计课程教学中，绘画基础对艺术作品的设计有着深远影响。艺术设计专业的学生对绘画基础的掌握程度和理解程度，直接影响其艺术设计发展的人生道路。犹如一名世界举重冠***的日常训练不仅仅是重量的增加，而是要求运动员在举重过程中具有良好的协调性，心理素质和体能素质必须达到优秀标准，同时不可缺少的是营养的搭配摄入，只有全部训练都发挥了良好作用时，运动员才有可能取得好的成绩。绘画基础是艺术设计课程的坚实后盾，对于培养学生艺术修养、创新意识和实践能力有着积极的促进作用，对艺术设计专业学生的未来发展有着不可替代的作用。在对绘画基础教学在高校艺术设计课程中的必要性进行论述之前，必须对绘画基础教学的范围有深刻的认识和了解。通常情况下，人们会认为绘画基础包括素描和色彩两种，但是，其实绘画基础包括的内容是十分广泛的，除了必须的素描和色彩手绘能力之外，还包括传统美术史、西方美术史、美术与艺术欣赏等，这些都属于绘画基础教学中的组成部分。
一、高校艺术设计课程教学忽视绘画基础的原因
传统的艺术设计注重的设计师手绘表现，因此绘画基础对于艺术设计十分重要。但是，随着计算机技术的日益普及，手绘已经被现代信息技术取代，设计者创作精美***像和视觉冲击力较强的文字变得非常容易，越来越多的人对绘画基础在艺术设计中的真正作用产生了质疑。“绘画基础无用论”在高校艺术设计专业教学中更是流传广泛，这种理念对于艺术设计专业学生和教师都有着负面影响。计算机技术并不能取代人类技能，艺术设计的根本核心是创造性和思维性，如果艺术设计者过于依赖计算机设计，将会严重制约其设计灵感的发挥，手绘能力将会持续降低，最终使设计者失去了思考、创新、分析的艺术设计能力。
二、传统绘画对艺术设计课程的重要性
在艺术设计发展的历史进程中，诞生了很多成绩斐然的艺术家，每个艺术家都有其独特的创新性。因此，艺术设计课程不仅要囊括素描、色彩等西方绘画基础，更要将中国传统文化融会其中。虽然传统文化融入艺术设计中的说辞不免牵强，但艺术设计过程中却又必不可少地运用传统文化艺术，如果艺术设计课程完全忽略中国传统文化艺术，其艺术作品必然缺乏“营养”。随着全球化和信息化的展开，越来越多的年轻人接触西方文化艺术远远多于我国传统文化艺术，因此，艺术设计课程教学更应该将传统文化艺术作为绘画基础的首位。我国传统绘画注重的是内在气质的体现，并非对真实景物的机械再现，传统绘画与西方透视画法不同，不会从任何角度限制艺术家的情感表现，而是鼓励艺术家与自然生态的沟通交流。对于高校艺术设计专业学生来说，传统绘画艺术的学习并不是要成为一个出色的国画家，而是要仔细品味传统绘画艺术中蕴含的艺术气息和意境，将传统绘画艺术运用于现代艺术设计中。例如，2008年第29届奥运会会徽的设计既不是希腊文化也不是其他西方文化，而是需要从中国传统文化中吸取精粹，如果设计者对此处于盲区，就不可能呈现出“中国印”的艺术设计作品。
三、西方绘画对艺术设计课程的重要性
从客观角度来看，现代优秀艺术设计作品大多数出自于西方国家，西方国家也是国际艺术设计大师集聚的地方，这与西方国家社会经济发展和进步是密不可分的。在当代艺术设计领域，西方国家仍然处于主导地位。西方国家艺术设计师从其传统文化中获取启示，将西方绘画的本身应用于艺术设计中，西方绘画对于艺术设计的影响十分深远，主要体现在印象派绘画。在西方艺术设计作品的创作中，无论是瓦西里・康定斯基的抽象艺术，还是当下涂鸦艺术，都为西方艺术设计作品的创作提供着无限启示。
四、绘画基础对艺术设计课程的必要作用
（一）素描基础教学对艺术设计的影响
绘画基础教学中的素描对于艺术设计课程有着训练作用，从更深远的层次来看，素描教学实现了物质与精神、审美与功能的和谐统一。因此，绘画基础教学中的素描必然是艺术设计的引导，为此，我们必须重新构建素描教学理念和方式。素描教学不仅涉及物体的立体造型，更涵盖了物体结构、空间构成、线条材质和技巧手法等。素描的表现形式多种多样，既包括了客观事物再现的写实性，又囊括了形态空间结构，同时包括抽象形态的意识表现等。
素描是真实反映人们观察事物的个人视觉信息，并经过个人情感深化和理性思考的过程。对于物体结构关系、画面构***的个人体会也同样适用于素描绘画。对于优秀艺术设计作品的创作来说，多角度、多视野、全方位的视觉思维是艺术设计创新发展的基础。人们的视觉观察力会直接影响到以素描呈现的视觉信息。由此，素描基础教学中包括了速写素描练习、结构素描练习、全因素素描练习、创意素描练习等，其中，速写素描练习主要用于培养艺术设计专业学生的个人观察力和手绘能力。
（二）色彩训练教学对艺术设计的影响
绘画基础教学中色彩训练主要是利用色彩来体现素描的关系，高校艺术设计专业学生通过一定的色彩训练，可以提高学生对色彩的认识能力，学会运用色彩来表现艺术设计作品的想象力。从客观角度来说，单一的色彩绘画中包含的色彩知识量较少，必须与色彩构成理论相互结合，才能真正体现色彩训练的效果。
色彩训练中包括了写生练习、装饰练习和色彩构成练习等。通过一定的色彩训练可以提高艺术设计专业学生的色彩认知能力，从而学会为艺术设计所用。色彩训练用于艺术设计中主要表现在艺术作品色彩混合、调和、搭配等方面。色彩训练的过程中注重的是学生对色彩的认识和理解，而色彩训练应用于实践中应该侧重于创新。高校学生通过写生训练，对大量色彩信息有了切身的体验，真正可以接受色彩构成理论和规律，从而实现感性认识到理性认识的升华。绘画色彩与艺术设计色彩评价标准并不完全相同，对于高校艺术设计专业学生来说，短暂的色彩训练教学并不能达到提高艺术设计作品价值的目的，但是，在绘画基础教学中，教师应该主动将色彩训练教学向艺术设计方向发展，使学生在接触色彩训练的初期就能够将其与艺术设计相结合，以最大限度提高色彩训练对艺术设计的影响和作用。
素描和色彩都是绘画基础教学的重要组成部分，但素描与色彩也是随着时展不断变化的，进而出现各种创新型的表现手段，新的绘画手段是前代画家理想信念的革新。因此，随着绘画基础的变化，艺术设计也在逐渐变化着。如同绘画基础一样，不同时代都有无可替代的价值审美，每个时期的艺术设计作品都有其内在艺术价值。目前，随着现代科学技术的不断进步，计算机已经悄然成为了艺术作品设计的工具，但其永远不能取代手绘艺术作品的价值，因此，绘画基础教学并不是让学生放弃先进的科学工具，而是要学会如何更好地利用艺术设计工具。
结论
从艺术设计发展的过程中来看，未来艺术设计的发展道路将是艺术与技术的完美结合。现代艺术设计已经趋于全球化、国际化，如果要确保艺术设计的可持续发展，高校艺术专业教师和学生必须对绘画基础教学在艺术设计中的作用有着深刻的认识，艺术设计专业教学必须从基层抓起，让学生具有扎实的绘画基础的同时，根据个人创造力和智慧灵感创作出更多、更好、更优秀的艺术设计作品。
【参考文献】
[1]苏燕.我国传统绘画与现代数码艺术设计的融合研究[J].艺术科技，2013（05）：371.
[2]王晶，董芳.浅谈现今高校艺术设计专业绘画基础课程教学中的几点创新内容[J].大众文艺，2013（01）：230.
绘画专业论文篇7
关键词：绘画；设计；艺术创作；差异性；个性；附着性
中***分类号：J022 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）10-46-1
中国的绘画艺术在西方绘画技法的影响下，增加了素描、油画等多种艺术形式。而如今，一门新潮的艺术――“设计”，正如雨后春笋一样茁壮成长并逐渐壮大。美术院校把绘画和设计分为两个不同类型的专业，社会上出现了以设计谋生的人群，有关纯艺术绘画和设计的讨论也随之而起。出于职业的取向，对两者之间的差异性，不得不去认真思考。一种认为：只要具备绘画能力，设计便不成问题。另一种则认为：设计是有一定***性的，有绘画的功底不见得就会设计。前一种观点的人大多为美术专业的师生，而后一种观点的人则为专业设计师。我认为设计师要同时具备绘画的基本造型技能和对形式美法则的特殊理解和匠心独运的创造意念。本文就此话题有几点看法，并逐一阐述，希望能起到抛砖引玉的作用。
绘画中作者的个性绘画是一种与文学、戏剧、音乐等相关的倾诉艺术。艺术家用色彩结合各种绘画技法来表达自己的主观感受，它的生命力在于创新、在于其独到的艺术感受和艺术个性。艺术家不得不把个人主观意志的潜能激发出来，最大限度地表达自我。设计师作为商品的美化师，只能在商品性格的前提下尽可能地发挥他的个性。因为他的作品是给多数消费者观看的，必须符合多数人的审美标准，才能促成销售，才能算是成功的设计。
设计是一种有界定性的艺术，与绘画的区别在于其对商品的附着性上。设计作为商品在为市场服务时必须有价值和使用价值，要赢得客户的信任与满意，最终实现价值，必须通过市场竞争的检验，设计的成功与否在于它能否达到帮助产品实现促销的目的。现实中每一位设计师为客户服务时，都会满足客户对设计的需要。设计对商品的附着性还体现在市场趋势，市场的强劲与疲软直接影响设计行业。一种是：当市场处于经济危机、商品大量积压、消费者消费能力下降时，商家对设计无暇顾及。另一种是：当某种商品在市场供不应求时，厂家对设计根本不屑一顾。可以说，在商品经济不发达的社会状况下来谈论设计水准根本不现实。
绘画与设计的区别不仅仅体现在“个性化”与“附着性”上，还体现在对形式美追求的差异性上。词典中“混沌”一词释意为：“指宇宙形成以前模糊一团的景象。”中国人喜欢婉转含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”体现出一种耐人寻味的因素，这和中国的古典哲学与宗教相关。中国古典绘画所体现的“空”、“灵”、“气韵”等美学思想，都是为了寻找一种不确定的混沌美。虽然这些手法在设计中也能见到，但一般来说仅是借用，以增强设计的艺术性，它不是设计所追求的表现手段和美学思想，这种“空”“灵”“混沌美”只是作为设计的一个组成部分而不是全部。
绘画对“混沌美”的追求不仅体现在流派上，而且还体现在对材料肌理的选择上。题材、效果、需要何种肌理，都是绘画追求混沌美的因素之一。尤其是现代绘画，在一幅作品中对材料的选择已到了随心所欲的境地，多种材料的综合运用旨在加强画面的混沌美效果。
秩序美是平面设计的核心体现。现代设计对实体的把握是形式法则，形式是实体的具体化、丰富化、精确化。在现代设计史上对20世纪影响最大的人物是勒・科布歇，他运用建筑学根据人体比例进行黄金分割，称为模数设计体系。模数最初对建筑形式有着巨大贡献，后来被运用到平面设计中。模数理论的基本原理就是对太阳神的肚脐、头顶和伸直手臂的指尖进行分割之后勒・科布歇将其变为44个长方形进行空间划分。模数体系的核心，就是利用人们对级数变化心理所产生的秩序美进行设计。
从上述的例证来看，设计的美感体现在有秩序的韵律上，这点与绘画有着本质的不同。平面设计的***性体现在版式设计和字体形态上，绘画是以***的形式传达信息，一幅好的绘画作品可以浓缩大量的信息内容，在某些场合它可以代替或补充文字的不足。虽然如此，由于绘画与文字传播的功能之间较大的差异，绘画作为单独的艺术品，其画面并不存在文字说明，而设计无论是作为专门的艺术，还是特地为某种商品服务，都必须有文字说明。只有通过文字的存在，其自身价值才能够得以实现。既然绘画艺术可以无文字出现，它也就不存在版式设计的问题。由此可见，设计有别于绘画，是***于绘画且具有时代特征的专门学科。
绘画与设计功能上有巨大差异性，因此，在工艺制作的方式上也存在着本质的区别。绘画是一门艺术，在制作过程中个人思维、技术的成分占有相当大的比重。而设计，其产生与发展和商业行为相伴，是随着商品经济的激烈发展起来的。它的目的是为整个市场服务，具有显著的商品特征，其方式是在脑力劳动的创造下和机器相结合的物化过程。作为一个设计师，不仅要懂得版式编排还要懂得机器的功能、印刷装订工艺，还要懂得在何种状态下，机器墨色套排序列对作品产生何种效果，纸的品牌、种类、性能都会影响设计作品的质量。而绘画作品属于纯手工艺品，它和机器大生产无关，故此也就不必去劳神考虑机器的性能和工艺加工程序。
绘画专业论文篇8
关键词：宋代画院 中国画教育 启示
正文：在中国美术教育历史长河中，宋代画院教育以其完整而独特的教育体系影响着后世的美术教育，其中也包括中国画的教育。宋代画院是宋代设立的宫廷御用绘画机构， 同时也具备培养绘画人才的功能。它具有严格而完善的招生与考核制度， 课程设置上也非常注重提高学生的文化修养和创新能力。宋代画院教育培养了一大批著名画家：郭熙、李唐、李篙、张择端……正是宋代画院教育促成了宋代绘画的辉煌成就，所以说它在中国美术教育史上有着及其重要的地位。当今中国画教育是以美术院校为主导，美术院院校不仅承担着中国画基础知识的教授，同时还承担着中国画的传承和发展的重任。在当代***初引进的苏联素描教学体系仍是中国画基础教学的主体，各个美术院院校仍用西方绘画的造型、色彩原理和标准来要求中国画教学，而中国画是根生与我国传统文化背景之上的，应有别于西画或其他艺术形式的***体系，以西方艺术观念来进行中国画的现代建构必竟是“隔靴搔痒”、不着边际或悖离中国画的文化品性与精神内涵。不同的知识结构必然产生对事物不同的看法和认识，也就会作出不同的教育决策，所以中国画教育的改革志在必行。分析宋代画院考试制度、课程设置、艺术主张等方面的内容可以借古开今。改革美术专业入学考试方法，改进课程设置，是当代中国画教学所面临的亟待解决的问题。
一、宋代画院教育分析
1.注重文学修养的考试
宋徽宗所设立的画学，标志着中国最早的皇家美术教育机构的确立，宋代画院的画家的选取有两种模式：一是荐举，二是考试录用。画院平常对院画家的考绩也用考试方法。考试除诗文论策外，兼出题作画，其题目多是摘取古人诗句为之。故所画多含诗意，亦为中国画由礼教化进而为文学化之最大原因。以诗题画，不仅使人品尝出诗境之美，而且体验出画境之美，诗与画交相辉映、相得益彰。以诗入画的风气日盛一日，到徽宗朝时，便出现了以诗句命题的考试方式。此类试题都需要应试者体会诗中深邃的意境，把握住主题，再以精妙的画技把主题表现于画面，这绝非一般墨守成规的画家所能做到的，所以当时应试的人接踵摩肩于汴道之上，但“多有不合而去者”，而中魁者往往是能用形象艺术表达诗中神趣的有一定文学修养的画家。这就促进了中国绘画艺术文学化的进程，也开启了在画中有意识地表达一定思想、寓意的风气，形成了中国画独有的诗情画意传统。
2.细密的程设置
宋代画院的绘画分科和课程设置，据《宋史》卷157《选举志三》记载，“画学之业，曰佛道，曰人物，曰山水，曰鸟兽，曰花竹，曰屋木，以《说文》、《尔雅》、《方言》、《释名》教授。可见入学之后的分科分门是十分细密的。画学的学科分为专业课和共同课（类似于我们今天的专业课和文化课或公共课），专业课有：道释、人物、山水、鸟兽、花竹、屋木等六门；共同课就是上述的《说文》、《尔雅》、《方言》、《释名》等，此外则设问答（有关画理、画论方面），以提高学生的文化修养，可见画学的学习不仅注重绘画技能技巧的训练学习，还特别重视文化方面的修养。可见宋代绘画水平之高，与对文化修养的重视是分不开的。
3.专业的考试标准
宋代画院的取士标准是：“考画之等，以不仿前人而物之情态形色俱若自然，笔韵高简为工。”这既是取士标准，同时也是宋代画院的教学宗旨和艺术审美标准。“不仿前人”，就是不囿于前人的绘画，要求有所突破和创新；“物之情态形色俱若自然”，就是要求形神兼备；“笔韵高简”，则是要求“笔墨精妙、高古、简洁”。宋代院画家正是秉承着这三条艺术品评标准，不断创新，终于成就了宋代画院的辉煌历史。
二、当中国画教育存在问题
1.单一的入学考试
目前只有很少的几个专业美院自助招生，大多美术专业高考招生都采用省统考模式，考试内容不论学什么专业大都一律考素描、速写和色彩，这就决定了学生必须把主要的精力用于素描、速写和色彩的学习上，而对传统文化和诗词的学习忽略和漠视。进入院校后的学习专业的问题就更突出，由于长期在造型手法上和观念上己形成了西画的“先入为主”，因此，不少学生进入中国画专业学习后的心境仍然处于西画的状态，创作的情境和学习的氛围都会偏离。
2.课程设置重技法轻理论
目前中国画的教学普遍存在着重技法、轻理论的局面，成为一种速成的普及式教学方式。中国画历来讲求“读万卷书”，要想在中国画专业上取得造诣，其自身的文化素质即所谓的“画外功夫”从某些方面来说甚至要比绘画本身的要求来的更高。只会画画的人，犹如低头看路，天天走，也不过是一条小道。通晓美术史的犹如登上高山之颠，俯视天下，千峰万壑，九曲回肠，尽列眼。长期以来中国画专业无论从课程设置安排、教师授课和学生创作等方面都是单一地停留在实用的技法层面，教学偏重技能的传授，主要精力放在技能技法的学习，如线条运用的好坏、造型能力的强弱。注重通过学习让学生熟悉掌握中国画的材料特性、表现技法、形式语言并将这些熟练的运用到自己的绘画创作中，这类的技法课从学生入学开始到毕业至始至终贯穿整个教学目的。学生的创作是否有相应的艺术理论依据支持，学生自己又能研究出什么样的艺术理论，这个方面的问题很少出现在教学中，只是单纯的追求画的出画来就行，而对作品的艺术格调、思想内涵研究得不够，特别是学生看画册的时间多，钻研理论的精力少，很多理论书籍长时间放在***书馆的书架上，束之高阁。而缺乏理论支持和文化素养为根基的作品，也往往显的苍白无力少了内在精神。
三、中国画教学改革思路
1. 完善考试制度
艺术考试是选拔优秀艺术人才的量化方式，然而目前的考试制度忽略了人文素质的培养，也不注重中国画的专业性。在专业考试的科目设置中应该加大中国画考试的专业趋向，除了老的素描、速写、色彩考试外，还应该注重考察其中文、哲学以及书法等方面的知识，只有考试制度得以根本改变，才能从根本上促使中国画的后继者们在专业及文化素质上主动去提高文化学养，后积薄发。
2.改革课程设置，重视提高文化素质和理论学养
课程是连接教育目标和教育活动的纽带，是确立教育内容和方法的基础。在课程设置中应加强文化综合素质课程，艺术课不是单纯的技术课程，而是一种人文课程。我们的学生不管是为了现在更好地理解艺术，还是今后从事教育工作传授艺术，都要有浓厚的人文素质，因此必须增加一些如哲学（尤其是东方哲学）、宗教、历史、文学、美学等文化课程，调整公共文化课程，对那些国家规定开设的科目，要对其教学内容及方法进行改革，切实加强与中国画专业的结合与融会贯通，提高学生学习的主动性和积极性。此外，还应建立新的中国画教学理论体系，制定新的中国画教学计划， 全面加强传统文化理论知识的教学和学习，充实本专业的理论教材，内外兼修，以达到真正提高学生的艺术素质的目的，使之更深入地理解美的本质，掌握美的规律，提高审美鉴赏能力和创造能力。
宋代画院是中国画传统教育模式的典范，它强调了对传统文化的学习，推崇画面文学诗意的表达，成功地解决了形似与格法的二元悖论……这些都是我们今天的中国画教育所缺少的。在新的历史发展时期，中国画必将面临更多的抉择和更为艰巨的挑战。我们应以宋代画院教育为一个借鉴和参照点，重新认识和发掘传统教育模式，紧扣时代的脉搏，把握住民族文化的精神，加快改革的步伐，建立起新的中国画教育体制，从而将中国画朝更具民族性、更具生命力的方向推进。
参考文献
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[2]郑午昌. 中国画学全史[M]. 上海： 上海古籍出版社，2001.251.
[3]宋.邓椿.画继[M]. 北京： 人民美术出版社，1983.
[4]丰子恺.绘画与文化·绘画概说[M].长沙：湖南文艺出版社，2001.
[5]薛国庆.简论宋代画院的艺术成就[J].肇庆学院学报，1996，（2）.
[6]何力.《中国画教学改革的趋势与展望》，美术大观教学论坛，2000出版.
绘画专业论文篇9
关键词：纯艺术绘画 商业美术 CG插画
一、纯艺术绘画与插画的历史沿革和演变
纯艺术在20世纪60年代后产生了巨大变化，一方面，它不再从单纯地描绘物体和现实表现入手，而是走了一条标新立异的理念之路。所以，这造成了艺术教育与市场需求之间的一些落差。另一方面，市场上大量的海报和各式的商业美术仍需要人来完成，但在艺术教育领域内，其又拒绝和市场的需求配合，认为这是一种媚俗和降格的表现。所以，逐步地在教育领域内出现一种能起到接轨效用的学科建设，插画则正式承担了这一历史使命。从某种意义上说，插***是现在美术的核心，而纯艺术则是非绘画行为。笔者在四川成都美术学院教书多年，曾多次思考，绘画专业和插画专业的区别是什么？答案是，插***是动手画；艺术可以仅仅动口讲，画得也可以没有章法等。在有些学院中，绘画专业设置颇多，但在就业的时候，近80%的学生选择与商业插画相关的专业，如广告和游戏美术，仅从学生比例看，我们也可以看出社会和市场对纯艺术家和插***艺术家的需求有何不同。
二、插画与绘画的关系
所有插画都是从17、18世纪纯艺术慢慢发展过来的，当时很多画家也是插画家，一方面给教堂画画，自己也刻一些版画，如西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱――戈雅等，甚至在某些时期，插画家与艺术家的工作性质没有区别。那些文艺复兴的大师们，他们也是在教会和皇室的委托下才完成各种各样的艺术创作的，创作也要计算成本和回报，表达的内容也是根据客户的要求和愿望，也和插画一样是叙事性的。
绘画追求的是一种永恒的东西，是人类文化研究的一种方式和人类精神世界的一种体现，同时也是历史的见证。插画则更像一种快餐，甚至在有些学生的思想里会认为其可以一画成名。其实，插画是绝对要画好的，且要有一个标准和分寸。插画不单纯是像纯艺术作品一样一定要画得很大，还要把它抠得很细，把像素抹得很均匀。现实中，很多插画家能够出名主要在其丰富的画作数量，而不是只在于画了几张多么细致精美的作品。
在插画中，对绘画要求比较高的有两种：一种称为日式的插画，有的人也叫它日本漫画；第二种称为美式的插画。这两种对绘画来讲相对要求较高，但在教师指导下学习的时候，到底选择日式还是美式的插画是个大问题。因此，客观地讲，风格选择的标准一般从以下两点出发：第一是市场选择的角度，比如说某个市场比较适应某种风格，那就应该多鼓励学生多做哪样的风格；第二种是根据学生的兴趣选择，兴趣所在就有更多的能力在。而事实上，这两点有时很容易被一些教师忽略。
插画从某种程度上，服务的是大众。如果没有市场，插画的需求何去何从。绘画和插画两者在本质属性和社会功能上是绝对不同的，创作者在画插画的第一天就必须清楚地认识到，画插画并不等于是单纯会成为纯艺术家，像拉斐尔的名作《海拉斯与水仙女》，还有很多世界名画，体现的都是当时的时代背景和审美情趣，而成为当时时代的一种文化见证。
三、纯艺术绘画与插画的几个区别
（一）创作理念
纯艺术绘画以反映所谓的真实为主，而商业绘画却在于表达虚幻的感受。
从早期作品来看，纯艺术绘画起着记录历史的作用，更是一种对真实的极度模仿。一个社会的精神风貌、人文面貌都可以透过一个时代的纯艺术画作得到整体概述，尽管在艺术形式上有着变化和发展，但其实质却是没有改变过的。
而与之相反的商业美术就追求所谓的虚幻的真实，反映的是现实中所没有的、但是人们幻想并渴望的东西。如美国电影《蜘蛛侠》可以说是以假乱真，但事实并非如此。再如日本漫画大多描绘的是社会题材问题，或是宗教等的神秘，有些作品在形式上相当写实，但实质上却是虚假的、夸大的。
（二）审美对象
一件纯艺术作品的好坏不是大众说了算，而是由专业的杂志和艺术评论专门撰稿人来表达。这种话语权的独断性决定了画家和艺术评论家之间的微妙关系。而插画的评论则完全来自大众，所以我们常会在网络上看到大量的爱好者对自己喜爱的画家评头论足。
（三）推广载体
纯艺术绘画从某种程度上是富人和投资人的宠儿。插***绘画艺术则是一种完全的服务性质的艺术，所以它对应的是出版、游戏以及影视制作等大众消费载体。
（四）商业渠道
纯艺术绘画的流通渠道多在博物馆和私人收藏家以及拍卖行手里。插***绘画艺术则主要是广告、出版等大众渠道。简单来说，纯艺术需要靠炒作而搏利，插画则更算是靠民众赚钱。
结语
总之，绘画分为纯艺术绘画与商业绘画，两者之间既有继承，也有着本质上的截然不同。做插画家，首先要找准自己的定位；其次要建立自信心；再次，插画家难有一画成名的可能，除非个人创作和某些项目绑定，项目成名后插画家才被人熟知，这只能说明插画的附属属性。所以，一般人在开始真正进入插画行业的时候，一定要意识到一个问题，就是一定要让自己的画有内容，要添加背景，与所画的东西挂钩，否则其创作就只是一张***，缺少意义；最后，一个插画家，一定要学会能够站在大众的立场搞创作，这是插画家生存必需而直接的观念。只有明白了这些道理，一个职业的插画家，一个成熟的插画业才能应运而生。
绘画专业论文篇10
基础绘画技能学习是一切绘画的基础环节，是设计专业学生的必修课。只有在充分掌握基础绘画的技能后，才能对设计有所创新。但是在高校设计专业中的基础绘画教学中存在很多不利于教学的因素，高校基础绘画教学体制有待改革。
一、高校设计专业中基础绘画教学的现状及问题
（一）基础绘画教学的定位不准确
随着艺术设计专业的不断发展，作为美术教育重要组成部分的基础绘画教学在设计教学中得不到重视。在很多高校的设计专业中对于基础绘画教学一直采取单一的方式，照搬现实。在实际教学中不能要求学生在设计上创新与自我创作，而艺术设计本身是与创新紧密结合的学科，这样的教学模式违背了设计专业的初衷。实际的设计教学中，基础绘画并不是教学中的重点部分，而是课堂中的附属部分，教师在教学中对基础绘画教学不重视。
（二）设计专业不能与基础绘画教学相结合
众所周知，素描和色彩是所有与设计专业相关的基础绘画课程。长期以来，素描和色彩被认为是造型艺术的基础环节，但是在设计学习中，很多学生不能把基础绘画技能与设计相结合，只在绘画写生和技术手法上下功夫，而真正忽视了设计要有专业性。这样一来，造成恶性循环，对学生的设计思维没有好处。
（三）国外浮躁艺术形式的影响
影响着基础绘画教学质量重要原因是国外艺术在国内的传播，国外一些创新性的艺术作品形式在高校出现。由于一些艺术家在艺术上的炒作，使得学生在思想上比较浮躁，作品急功近利。学生在模仿中忽视了艺术的规律性，对基础绘画教学缺乏耐心，尤其艺术设计创新上不具有竞争力。
二、改善高校设计专业中基础绘画教学的举措
（一）提高基础绘画教学的重要性
当前，在很多高校设计类专业的课程设计中，不能体现对基础绘画教学的重视。有些高校开设了基础绘画课程，但是教学一直处于摸索的阶段，因此在课程的设置安排上不具有科学性，经过调查表明课程之间的相互联系非常小，各个知识点之间是相互***而存在的形式。这样的局面导致了基础绘画课程不能很好的为设计专业学生提供有力的学科支撑。所以，为了提高设计专业学生的基础绘画能力，需要教师在教学过程中将基础绘画教学视为教学中的重点，而不是学生眼中的选修课。在将基础绘画教学纳入到教学体系中时，将其他学科科学合理的进行分类，使他们之间能够互相联系。这样形成的教学循环模式不仅能够提高教学效果，还能促进学生学习专业知识。
（二）合理选择教材，增加辅助教学
基础绘画教学课程在艺术设计专业中开设的课时比较少，对于教学的时间不足，针对教学课时的教材以及辅助资料也相对匮乏。在专门的绘画专业中，其教材比较丰富，并且对于绘画教学比较专业，但是在艺术设计类的教材中需要具有专业性和学术综合性，既要求学生能够掌握基础绘画技能和相关知识，还要开拓学生的视野，从而进一步扩大学生的知识面。高校在辅助教学资料配置方面需要能够满足不同专业层次学生的发展需求，以此来最大程度上的避免教师在教学中的循规蹈矩。设计专业最主要的技能就是创新与个性，虽然在高校设计专业的基础绘画教学还在探索中，但是教师应该坚持对学生们进行创新能力的培养。通过教师对教材的精心编排，能够为艺术设计专业学生提供更加科学而合理的基础绘画教学资料。
（三）充分利用教育资源
对于艺术设计专业学生来说，美术馆以及博物馆是最好的教育资源，对于那些绘画基础比较薄弱的同学而言，练习好扎实的审美基本功是绘画中最重要的环节。艺术教育最基础的教学基础就是训练学生的审美素养，而在课堂上的审美素养培养远远不够。学生在学习时候要多走进美术馆、博物馆和展览馆，这样与优秀艺术作品零距离接触，为学生打下扎实的动手能力，这也就是将美术馆搬进了课堂。