我优求知网高中美术论文范文1
马克思曾引用黑格尔设想的一个生动比喻，来说明人类在创造活动中实现其本质力量叫产生的愉悦：一个小男孩，将一块石子投入水中，他看到水的涟漪不断变大，他欣赏自己的创造，从中得到无比的欣喜……。而到了初中阶段，审美教育更显示出在素质教育方面的作用，这时的学生从原来的快乐、无拘无束、天真活泼变得沉默、羞涩和严肃，他们要寻找一种新的适合表现自我意识的方式，在这个关键时刻，我们如果灌输给他们一种起着心灵感应作用的思想教育---审美教育，就能让学生在美的享受中接受教育，不知不觉地受到高尚，健康的思想感情的熏陶。这种教育的特殊效果，是一般道德说教难以达到的。而到了高中阶段，学生在生理，心理上已接近成热，是准备走向***生活的时刻，他们的自信、自尊都在增强，他们有自己***的思考能力，而接触面也更加广泛，他们求知欲强烈，学校教师传授的知识已不能满足他们的需求，他们渴望从各种渠道接受新观念，接受新知识。在这时，审美教育更能发挥其独特的作用，其鲜明的形象性和强烈的情感性正是对感情真挚奔放，形象思维极强的青少年作用是最大的。
但我们同时也要认识到当代的世界正处在一个巨大的历史转折期，学生经历着空前的观念撞击和文化震荡，正如电脑和算盘同在，洗衣机和搓板并存，试管婴儿和恐龙蛋化石共生一样，生活在同一时代的精神并非同代。
在这种观念的影响下，美术也显得希奇古怪。如现代主义的美术，有入说是一种头脚颠倒得艺术。一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。他说："今天年轻的一代和我们这一有什么不同。他们也是逐渐懂事，也离家出走，也生孩子。只是顺序倒过来的。"的确，在现代主义和后现代主义的艺术家那里，艺术的含义更加宽泛，既包括美的，也包括丑的：既有善的，也有恶的；既包括物质的，也包括精神的：既有纯实体的东西，也有纯形式的纯数学的东西。
比如60年代，卢卡斯萨马拉斯主要探讨的是人的亲妮行为和暴力。他的作品中弥漫着炽热的和***主义。似乎全部的作品都被梦魇困扰着，镶饰着欲望，渴望者心醉神迷。
尽管一些现代主义艺术也从不同的方面得到了人们的肯定，但某些作品的形式和内容的确不适合一个中学生。敏感的学生面对着万花筒般的多元观念，往往不知所措，分不清美丑。况且在过去的日子里，我们国家的美育也曾受到极"左"思想的影响，把美和资本主义混为一谈，在十年内乱期间，美育更受到毁灭性的催残，真假不分，善恶颠倒，严重扭曲了青少年的心灵，带来愚昧，粗野，庸俗等不良后果。
同时，随着我国商品经济发展迅速，社会上难免出现许多不良因素，商潮汹涌，文化兵败，伪劣走俏，真金蒙尘。今天，似乎已经到了这样一个扑溯迷离和令人费解的时代。
哲学家不再尊重笛卡儿，黑格尔；文学家不再推崇莎士比亚，鲁迅；艺术家也不再欣赏达芬奇，拉非尔和贝多芬。一台部级水平的交响乐演出，听众寥若星辰，而一位怀抱吉他，声嘶力竭，似唱非唱的"歌星"却吸引数以万计的歌迷。同样，在美术市场，一些利令智昏的画店，画商更是不吝出资，成批伪造画和名家字画。同时，在我们今天的艺术殿堂中，也似乎愈来愈难以看到人类古代所创造的各种美丽的神话，圣洁的传说，优美的音乐和令人心醉神迷的绘画。而更多的是邪恶，荒谬，仇恨，丑陋。
莎士比亚在《风月通鉴》中曾经写道：人们齐心赞赏新玩具，不理会他们是用旧物捏成，宁愿歌颂镀金的劣货，不愿欣赏盖了灰的金泊。
因此，做为美术教师，我们的任务不仅仅是在课堂上欣赏好一张画，一件工艺品，而更重要的是带动学生能***的去认识美，有选择的接受新的观念。在我任教的高中美术欣赏课上，我做了以下尝试：
首先，选择优秀的画家，优秀的作品。上课时要先让学生对画家的思想和人格精神有个充分的了解，然后对其作品进行分析时，融入画家的思想和为人，学生在欣赏美的同时也接受了思想教育。要知道一件伟大的艺术品能屹立不倒，不仅仅只有外表的美，而更重要是对社会产生的影响。
如十九世纪最伟大的雕塑家罗丹。艺术在他看来是所谓静观默察，是深入自然，渗透自然。与之同化的心灵的喜悦，是智慧的喜悦，是在良知照耀下看清这个世界而又再现这个世界的喜悦。
学生从中获得审美喜悦，正是和艺术再现世界相对应的，即熟悉，亲切，又陌生新鲜的心灵体现。而对罗丹的大理石雕塑《沉思》，我们会同时浮现双重的现实感：一种是通过洁白润泽的大理石，造型语言等材料和媒介透出的再现形象；另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。这两种现实都在幻觉中产生，从再现形象到客观现实往复多次，构成心灵意象的跳跃感再现。捕捉这样一种大幅度的扩展和变化着的意象，将激起心理，智慧，想象，情意以至人生经验的涟漪，这一精神活动本身"力"***样，体现的恰是梦想与现实，精神世界与物质世界的矛盾。罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验--"这是一个非常年轻，神的张弛，往复，伴随着极度的审美愉悦，呈现为精神上的创造，自由和超越。他在表现时特别注重强调和对比，把眼睛以上从眉弓推向前额，突出入类精神生活最主要的领域，以先声夺人的精神力量去接近观赏者。而下颉到脖颈再到双肩，几乎"沉没"在石座里，"突出"与"沉没"的"秀"，面目俊美的女性头像，她低着头，周围萦绕着梦想的气氛，显得她是非物质的头脑上帽子的边缘，好象她梦想的羽翼一样，但是她的颈项，甚至她得颔都在一块粗大得石头上，好象夹在不能摆脱得枷板中一样，不具形的"思想"在静止的"物质"中花一般地吐放出来，而且用辉煌地光彩照亮了这物质，但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。"
而在现实当中，罗丹对艺术的执著使他自己认为是"教徒"，他在遗嘱中对青年谆谆教导：要有耐心!不要依靠灵感，灵感是不存在的。艺术家的优良品质无非是智慧，专心，真挚，意志。象诚实的工人一样完成你们的工作吧！
我们应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。一个朦胧中的少女有着自己的梦想，这与中学生多梦的性格是如此的接近，这种心灵的沟通和激发，如电流通过全身，精神上的自由和超越，忽然间犹如脱胎换骨，学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格，尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受，但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。
又如凡高，他尽管只活了37岁，而且是孤僻，自闭，精神***．真正的去了解他，了解他的生活，了解他的品格，我想学生会对凡高充满了尊敬。
脾气古怪的凡高从小就不合群，不仅长相难看，有时羞却，有时又冲动粗鲁。他拒绝社会，社会也拒绝他；但他向社会献出诚心，社会仍然拒绝他。他在为古皮尔画店工作时，直截了当地批评顾客的爱好，甚至公开宣称商业实际上是有组织的盗贼集团，于是他被解雇了；他在一家寄宿学校任法语教师，看到了贫苦的学生的生活状况而没有向他们收学费，于是他又被解雇了：他在一座煤矿当自食其力的传教士，把财产分给穷人，自己粗茶淡饭，衣裳褴褛，教会认为他布道失当，于是他又被解雇了：他满腔热情，一往深情地追求真诚的爱情，但不是被戏耍，被背离，便是酗酒放浪，于是被"解雇"了；他如痴如狂，满怀虔诚的创造绘画作品，却因不被世人理解难以找到知音，于是他又被解雇了。
然而凡高和罗丹一样，对待艺术就象一个虔诚的教徒，他并不太在乎人们是否理解和接受自己的作品，他只是把画画当作宣泄情感的一种最佳方式，并且他有着和雷诺阿一样的追求。"我画画不是使人苦恼，而是使人们快乐。"他在一到信中这样写道。这一点着实令人惊讶，也使人们得以窥到凡高的内心：他就象一个天真烂漫的儿童，尽管生活如此对他不公平。他仍然热爱和渴望生活
他的代表作《向日葵》，作为一副静物画，从它色调，布局，瓶花的特定形成构成，以及笔触的运用，油彩技法上的处理，都是显示出画家对自然，生命，人生的独特情感的体验，传达出一种既热烈又悲伤，既骚动又孤寂的心理情绪。学生只有在充分了解凡高的基础上才能真正体会到这盘俯仰张弛挣扎的向日葵的内在涵义，充溢着张力的新生命在凋残痛苦的旧生命种诞生。学生在欣赏时自然而然地想象到凡高地一生，沉默，欲喊又喊不出来的压抑人生。而更重要的是凡高的这种爱心和渴望生活却永远留在学生的心中。
其次，在进行欣赏教育时，有必要的让学生允分地了解中国的艺术，提高民族荣誉感，长期以来，由于欧洲中心论的影响，由于把科学的发达等同于美学的发达的错觉，中国的艺术跟在西方科学的路子后面，疲于奔跑的追赶，在一定程度上舍近求远，忽略了中华民族的审美优势。
事实上，中国的近百年来科学落后不等于艺术落后，中国画作为一种风格独特的艺术早就与西洋画并起并坐，成为世界上最重要的两大绘画体系。
一，中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。据记载，早在春秋后期，周代都城的***治性建筑"明堂"里，就绘有"尧舜之容，桀纣之像，''''以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画．可惜这些壁画因为建筑物的毁灭都已不存于世，但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象，略加色彩的绘画技巧来看，我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。
到了战国以后，随着中国社会的发展，中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式，表现手法，艺术风格以及各种绘画体裁，画家们将书法的结构，用笔运用到绘画中去。以加强绘画的表现力和艺术趣味，形成了具有具有浓厚的民族风格和鲜明的时代特色。它不仅是中国近代，现代绘画艺术发展基础，而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响，日本老画家中村不折在他的《中国绘画史》一书中指出："中国绘画是日本绘画的母体，不懂中国绘画而研究日本绘画是不合理的要求。我想，用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。"
而欧洲的绘画从时间来看，应该是早早承认，旧石器时代，世界上最早的美术品，都是发现于欧洲的西南部与中部。虽然考古学是一门不断发展的学问，但迄今尚无新证物以前无法动摇上述的观点。
到了中世纪以后，由于基督教成为统治国家的精神支柱，这一时代在绘画史上称之为"黑暗的中世纪"。直到文艺复兴时期，新兴资产阶级为了扫清前途的障碍，需要很有说服力的思想武器，他门终于从古人的武器宝库里找到了饱含着现实主义精神和科学理性的古希腊，古罗马的思想文化，从而打出文艺复兴的旗号，正如恩格斯所说："拜占庭灭亡之时抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，在惊讶地西方人面前展示一个新的世界，------希腊的古代：在它地光辉形象面前，意大利出现了前所未有的艺术繁荣。"因此，欧洲的绘画是时而浩瀚，时而干涸，这与中国地绘画地源远流长是不同的。
二、西方文化是以"神"为中心的文化。他们将人的发展归之于神的创造。在他们那里，"神"与"人"是分离的。所以他们习惯于将人与自然，人与社会，主体和客体对抗起来。探索各个领域中纵的逻辑关系，在种与类的基础上区别其层次，力求符合这些关系的客观秩序。
他们是属于哲学美学，叙事诗学，状物画学。
他们写实绘画的焦点透视，像一位独眼巨人在锁孔里看世界，只能老老实实地把看得见的画出来，把看不见的挡起来。他们的安琪尔要飞，只有实实在在地安上一双翅膀，其爱的信息的传达还得借助于一支有形的弓箭。
而中国的文化是以"人"为中心的文化。它以笔墨"线索"作为塑造意识形象的根本要求，并融诗入画，使画的意境，布局，笔墨，色彩完全诗化而成为"无声的诗"。他不仅是中国近代，现代绘画艺术发展的重要基础，而且对我国一些邻近国家的绘画也产生重要影响。因此，中国绘画是属于艺术美学，抒情诗学，写意画学。
中国绘画是多点透视，在游动中看世界，不但能画出肉眼之所见，而且能画出心眼之所见。山前山后，屋里屋外，长江万里，四季花卉，皆可同时纳入画面。
我们的飞天要飞，勿需安装沉重的翅膀便能"乘天地之正，而御六气之辩，以游无穷"，其爱的信息的传达虽然"身无彩凤双飞翼"，却能"心有灵犀一点通"。
一个是"无翼而翔"，一个是"有翼而飞"，哪个更高？
难怪毕加索反问："在这个世界上谈到艺术，第一是您们中国人有艺术；其次，是日本人有艺术，当然日本人的艺术又是源自你们中国；第三是非洲人有艺术。除二者外，白种人根本没有任何艺术可言。我最莫名其妙的，何以有那么多的中国人，东方人要到巴黎来学艺术"。
况且有专家认为，中国画是后现代主义的温床。进入90年代，伴着消费的发展，现代主义的热潮在中国迅速降温，而一种打破传统和新潮，艺术和非艺术，雅和俗的后现代主义以游戏的姿态悄然兴起，他兼容性更强，在这里，被排斥的古典艺术又有了自己的位置，并且是以一种游戏的姿态出观：维纳斯穿上了牛仔裤：蒙娜丽莎被戴上一副眼镜，弥勒佛扛起了广告牌等等。在这里，这些艺术既保持着自己的"风和雅"，同时更大众化。
现代主义重视看得见的形式，后现代主义重视道不清说不明的状态，他从东方神秘主义众吸取了信息，而崇尚"天人合一"中国早有"玄之又玄，天机不可泄露"之说。这些被某些学者视为不能用精确数值定量定性的落后乃至迷信的中国古老文化，说不定潜藏着科学主义未能认识的领域和未能解读的信息。
正如古希腊的奴隶制太完善了，所以他的封建社会就不发达。中国完善的封建社会决定了他不可能出现完善的资本主义，而在后工业社会形态中则可能获得充分的发展和繁荣。中国对现代主义艺术有着一定的排斥性，而对后现代主义却有着先天的亲和性。
高中美术论文范文2
关键词：高中美术教育人文精神培养生活世界人文知识学科综合
近年来，人文精神培养成为教育改革的热门话题．受到人们的普遍关注。教育的人文精神培养强调以人的和谐发展为目标，使人的本性、人的尊严、人的潜能在教育过程中得到最大限度的实现和发展。美术教育有着自身的独特性，它主张以学生自身的发展为目的．强调个性和潜能的发展。因此，美术教育的人文学科属性必然要承担起培养学生人文精神的重任。
“人文”一词，最早出现在《易经》。《易经》贲卦的象辞讲：“刚柔交错，天文也。文明之止，人文也。观乎天文．以察时变；观乎人文，以化成天下。”很显然。这里所谓的“人文”，是与“天文”相对的，是人类文明时代与野蛮时代区别的标志，是人之所以为人的标志。人文是有别于自然现象及其规律的人与社会的事物，其核心是贯穿于人们的思维与言行中的信仰、理想、价值取向、人格模式、审美趣味，亦即人文精神。现代意义的人文精神高度重视人和人的价值观的思想态度，它关注人存在的意义、尊严、价值、道德、文化传统，以及人的自由与平等，人与社会、自然之间的和谐，等等，它对于全面发展的理想人格的肯定和塑造具有重要的意义。
美术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术不仅仅是一门技艺，它还是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。它记录着不同时代的文明，闪烁着人类的智慧，代表着人性的深度。美术是人类情感和精神生活的创造表现。任何美术表现形式都包含着一定的情感和思想。美术教育通过使学生掌握形体、结构、比例、线条、色彩等造型因素，培养学生的形象思维能力、想象力、创造力、美术欣赏能力等，以及通过美术活动去发展情感、兴趣、气质、性格、审美趣味等个性品质。美术教育既是对美术技术的学习，更是对美术中的形式美的思考、理解和创造。其目的并不是要求学生单纯地掌握多少美术的技能技巧，而是通过把美术作为一种重要的文化教育活动来启迪个体存在意义，关注人的知、情、意和人格的建立。学生通过美术教育可以将自己情感生活用美术方式进行表达，使学生获得创造、表现和交流的能力．达到健全人格、陶冶性情的目的。
人文精神的培养反过来又会促进美术教育。人文精神的培养能够使美术教育的受众群体在提高自身素质的同时，陶冶精神情操，形素养，提高生活品质，促进身心健康；同时，也可以激发创新精神，增强实践能力，从而使审美水准得到提升，并提高对美术作品的文化内涵和艺术品位的欣赏水平。正如美国著名教育家罗斯菲德所说：“在艺术教育里，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标；艺术教育的目标是使人在创造的过程中，变得富创造力，而不管这种创造力将施用于何处。”在美术教学中，教师应通过美术作品去引导学生去欣赏美、学习美、创造美，并将其内化为自己的人格、气质、修养，从而形成一种基本的、相对稳定的、内在文化素质。
美术教育是一种文化学习，而不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练。但我国的美术教育长期以来深受技术理性的影响，强调美术技能的学习，而忽略学生的情感体验和审美体验，从而进人重技轻文的教育误区。造成了人文精神的缺失。一些教师仍认为美术课堂教学就是“***画”，美术作品就是简单的“涂鸦”。在这种理念的影响下，美术课堂教学的方法长期处于单一和陈旧的境地，缺乏创新。一些教师一味地采用灌输式教学方法，注重教师的讲解和示范，忽视了学生的个体审美感受和体验。一些教师甚至只是给学生改改画、自己做做范画，很少有意识地对学生进行人文素质的培养，更谈不上将人文精神渗透在教育教学的全过程中。美术教学在一定程度上被简化成了学生机械地模仿的过程。
鉴于以上分析，笔者以为可以通过以下几个途径进行高中美术教育的人文精神培养。
一、强调美术教育中的生活世界意蕴
美术教育不是一种灌输和说教，对美术作品的审美和文化理解不能脱离学生个体的生活世界。生活是艺术的源泉，教师要引导学生通过观察生活来感受生活，体验生活中的情感和乐趣。如引导学生用点、线、面、色彩、空间、明暗、质感等绘画要素，运用对比、韵律、均衡、黑白、排列、堆积、组合等构成因素来表达自己的对生活世界的感受：引导学生善于发现身边的美，把自己的生活经验和现实中的美感联系起来，将自己对生活和自然的感受、体验与艺术家对它们的表达联系起来，并尝试用自己喜欢的绘画方式来表现自己的体验。从生活世界进行美术教学可以贴近学生的生活，激发学生的情感。因此，教师要善于充分利用生活世界这一取之不尽的资源，引导学生将美术活动从课堂走人生活，让学生积极主动地体验到美术与生活的联系，贴近生活、观察生活、感受生活，在自己熟悉的、具体的、生动的生活情景中感受美术活动带来的愉悦。
二、注重美术教学中人文知识的学习
美术不仅仅是点、线、面、色彩、空间、明暗、质感等绘画要素所组成的作品。这些绘画要素中都蕴含着一定的人文知识。这正是美术学科作为人文精神组成部分的要义所在。在美术欣赏教学中，学生往往只触及美术作品的表层描绘．对作品给出的评价也比较肤浅，特别是对一些表现人物、风景的写实作品。要提高学生对美术作品的理解深度．教师不能脱离美术作品中的人文知识。从这个意义上来说，美术欣赏必须和人文背景、人文精神等知识结合起来才能焕发美术的魅力。因此，教师需要通过丰富的语言、教具及多媒体等教学手段的综合运用进行课堂教学的特定情境创设。以此来交流情感、传达审美。也就是说．教师利用学校既有教学设备的精心准备下，有目的、有计划、有组织地创造出一个能够触动学生内心世界的，进而起到积极互动作用的课堂教学情感体验的环境，并以此激励、唤醒每一个学生的潜能。这种教学情境的创设可以涉及生活情境、游戏情境、实物情境、音乐情境、视频情境等诸多层面。
美术教育中人文精神的渗入取决于美术教育工作者自身的人文素养。因为人文教育的核心是人文素养，它体现于一个人对自己、他人和社会的认识，也体现在态度和行为准则当中。其最高形态是人文精神，即审视人生，以人为本，达到对人生进行终极意义的探索，对人类命运进行深层关注。它包括人对完善自己的追求、对真善美的追求、对人的同情、对遭受不幸者的怜悯等。美术教师不能仅仅追求专业技能的提升而忽视人文知识的累积，这样必然会造成知识结构的单一化。因此，美术教师需要不断丰富自己的人生体验和理论素养，提升自身的道德修养，只有这样才能带给学生丰富的人文素养和人文精神，并形成正确的世界观、人生观、价值观。
三、提倡学科综合
高中美术论文范文3
1.1美术教学模式的重复单一
高中美术课堂上的教学已经形成了僵化的教学模式，其中的原因是多方面的。一方面是由于部分学校的美术教师自身的综合素质不符合美术教学的多元化需求。美术这门学科作为一门综合性学科，对教师的综合素质实际上有着较高的要求。相关的美术教师不仅需要扎实的美术专业知识，而且还需要了解包括文学、哲学、历史等多方面的学科知识。只有这样，美术课堂上的教学才不会泛善可陈、教师也才能引经据典，帮助学生建立起优秀的美术鉴赏能力。其二是新课改后，美术教学课程的课时数不足以完成较丰富的教学内容，一部分教学为了完成教学进度，不得已缩短课本外知识的教学时间，使得整个教学模式仅仅局限于课本。但这种教学模式是非常枯燥而又单一的，使得学生容易丧失对美术课程的兴趣，也使得整个教学模式容易失去弹性和趣味性。
1.2忽视学生作为主体的作用
长期以来，在课堂上，传统的美术教学都是以教师作为主体。让教师作为整个课堂的主导者掌控课堂，而让学生作为接收者接受教师传递的信息。整个教学模式是单方面的，教师单方面的将知识传递给学生，老师讲，学生听，老师不注重学生学会了多少，学生也没有办法向老师提出自己的疑惑。整个课堂没有形成一个互动性，而这种双向的教学理念的缺乏和学生没有能作为主体的教学现象，使得学生的自主学习能力和主观能动性难以发挥，导致美术教学难以达到既定的教学效果。
1.3艺术作品鉴赏范围和数量难以提升
在绝大部分高中里，学生鉴赏的作品仅仅局限于美术课本中所出现的艺术作品，新课改中所提出的“提升学生欣赏艺术品的数量”的相关要求在大部分高中里只是一纸空文。但若是想学好美术这门课程，学生的艺术作品鉴赏范围和数量都需要达到一定的水准，包括经典绘画作品、中国画、西方油画等等。相关的美术教师需要教给学生进行艺术品鉴赏的方法，学生再通过他们喜欢的艺术作品提升艺术鉴赏的能力，而不是因为自身狭隘的艺术作品鉴赏范围而导致难以学好美术这门课程。
2新课改下，高中美术教育的发展对策研究
2.1合理利用问题教学法，有效提升学生美术学习兴趣
高中生一般具有活泼好动的天性，在心理上更倾向于追求具体的形象事物。因此，想要调动高中生的学习自主性和积极性，并取得更好的美术教学效果，就需要借助一定的教学方法。实践证明，问题教学法对于解决美术课堂教学中的重复单一性和忽视学生作为主体的作用均有着明显成效。实际上，美术课堂上的问题教学法往往以问题作为整个教学的中心，让教学过程不仅仅是单一的教学到学生的知识单向传递过程，而是根据课本知识和学生能力，把整个教学过程问题化，让整个教学通过一种互动的学习方式，让学生学习到新的知识。这样不仅可以使得学生在课堂上能够及时提出对教学内容的不理解之处，也可以使得教师能够根据学生的教学反馈适当对教学内容和教学模式进行更改，从而使得整个课程能够取得更优秀的教学效果。例如，在欣赏《泥土的生命—古代陶器和瓷器》一课中，教师可以提问学生，我们生活中的陶器和瓷器有哪些呢？从古至今、这些陶器和瓷器又发生了怎样的变化？通过这些问题，教师可以有效培养学生的学习兴趣，从而起得比灌输式教学更优质的教学效果。
2.2充分利用现代化的教学工具，提升学生的艺术品鉴赏范围
考虑到美术课程的教学与文化课程相比，并不要太多的板书。因此，利用诸如多媒体等现代化的教学工具进行教学是具有明显效果的。正如上文中所论述的，大部分高中生对于艺术作品的认知仅仅停留在美术课本之中。所以，相关的教师需要借助多媒体，引用大量的艺术作品***片和历史资料，自身再辅以适当的讲解对课本上的知识进行补充，从而拓宽学生的鉴赏视野，帮助学生树立起优秀的艺术鉴赏意识。
3结束语
高中美术论文范文4
学生对一些客观事物的认识规律首先是感官接收信息，然后再经过整理、分析、加工，最后再形成感性认识的，大脑再对经验进行有效交换。发散思维主要是借助多种途径与方向去思考问题，然后再产生一些新的解决问题的途径和方法的开阔思维模式。在高中美术教学课程导入过程中，教师如果能够巧用地导入音频，然后再创设相关的教学情境，进而再引导学生积极主动地去思考，发挥自身的合理想象，便于培养学生们的发散性思维，而且还更有利于促使美术教学顺利地开展。例如，在探究国画《花草禽鸟意境***》这一课时，教师就可以选择以“鸟鸣”为教学突破点，然后再选择符合意境的音乐《百鸟朝凤》对学生进行有效引导，便于学生在感受中国古典文化意蕴的同时，还能够聆听各种模拟鸟鸣的声音，有利于学生形成个人对画面的内涵与意境认识，还能够丰富他们的创作空间与素材，如此教学，也能够收到事半功倍的教学效果。
二、利用多媒体技术激发学生的学习兴趣
在美术教学中，让学生带着兴趣去学习，能够最大限度地提高他们的学习热情。比如说，美术教师就可以借助多媒体课件多播放一些关于绘画大师生平的电影，也可以播放一些中外名画、优秀画展与设计展中的作品，让学生都能够真实地感受到艺术家对美术创作的坚持和付出的艰辛，让学生真正地去感受艺术的神圣所在；还有就是画家们是如何坚持自己的艺术创作之路的，用这些实例来提高激发学生对美术这门学科的认识与兴趣。尤其是一些地处偏僻、经济相对落后的学校，学生们基本上是没有机会看到画展的，也很少能够接触到优秀的美术作品，这样也就使得学生感受不到艺术的魅力所在，正是多媒体课件辅助教学，为学生们提供了一个较好的平台，帮助学生去了解美术，进而再爱上美术。
三、加强方法指导，促进学生创造能力的发展
随着新课程改革的不断发展，新新课理念也强调要在教学中突出学生的主体地位，有些人则会担心教师过多的示范可能会禁锢学生们的创造思维。在此，笔者也有自己的认识，一名优秀的美术教师，古今中外一些大家们的名作等都是可以让学生感受到美术的真谛之所在的，欣赏时，学生们也能够由衷地对这些优秀的作品产生敬佩之情，这对于创造学生良好的思维习惯都是很有帮助的。教师在教学时，要能够起到引领学生进行创作的作用。比如说，在教学“中国古代壁画”的相关内容时，教师可以组织学生重点分析一下《九色鹿本生》壁画的精妙之处，比如说在构***上、色彩上和线描上，或者是在人物形象的刻画上等，逐一分析、展示，然后再借助多媒体课件反复播放，让学生真正地体会到作品的内在之美，进而再有效地感悟美术的真谛。此外，美术创作也不可能是凭空想象就能够实现的，它同样需要一定的技能技巧作为指导。教师也可以把自己在课前绘制出的一些作品通过实物展台展示出来，让学生们去欣赏、借鉴。在视频欣赏的时候，教师还要适当地给予必要的解说或者是讲解，其中，需要对自己的创意进行详细的说明，将自己的创作意***、构***的技巧以及结构的把握等表达出来，然后再通过师生之间的良好互动，逐渐提高学生们的实践能力。此外，美术教师也可以利用白板软件中提供的画笔功能，将一些需要学生注意观察和思考的细节标出来，让他们自己去思考解决问题的办法。这样既能够活跃学生们的头脑，又能够增强课堂的教学效果，而且还能够培养学生们的创造力。
四、运用多媒体，改进欣赏教学
高中美术论文范文5
虽然新课程改革的实施为美术教学带来了一些可喜的变化，但受应试教育的影响，一些问题仍然存在，具体分析如下。
（一）美术观念的缺失
一直以来，受传统观念的影响，美术在人们的眼中等同于绘画，甚至一些教师也存在这种想法。实际上，这种观点是错误的、片面的，美术的范畴很广，绘画只是其中的一个小部分，尤其是高中美术，其教学重点在于提升学生的审美能力，而现阶段的教师并没有准确认识到这一点。
（二）思维的局限性
现阶段的高中美术教育教学中，教师往往采取传统的教学模式，先由教师画一幅示范作品，然后让学生模仿或者创新，这个过程中甚至有的教师根本没有传授学生绘画技巧，只是在学生完成作业之后针对作业进行评断，而教师进行点评的最直观依据就是画得是否相似。正是教师这种教学思维的局限性，才导致学生在美术学习中墨守成规，失去了自身应当具有的创造以及想象力。这样，就很难达到高中美术教育教学目标。
（三）师资力量短缺
在现今的高中美术教师中，大多数教师并不是毕业于专业的美术院校，其对美术并没有更加深入的认识以及研究，同时也没有受过专业的培训，这样便导致教师只能以业余的、大众的眼光来看待学生的美术作品，并不能给予学生专业的意见，更无法给予学生专业的美术培训，以致于高中美术教学质量不能得到保证。
二、搞好高中美术教学应采取的对策
（一）更新教学理念
前文已经提到高中美术教学中存在将美术等同于绘画的错误认知，对此，教师应做好自省工作，重新认识美术，尤其是高中美术，改变原有传统的教学理念，从多元化的教学内容出发，以提升学生的审美能力为目标，更好地开展美术教学，全面发展学生的综合素质。
（二）更新教学方法
高中美术教学中，教师应摆脱传统的、单一的教学模式，以学生为教学中心，根据实际情况随机应变，进行不同授课方式的变幻，以调动学生的美术兴趣，让课堂活跃，让智慧飞扬。
（三）提升教师自身素养
学校教育中，教师的素养直接影响着教育教学质量。如果美术教师的自身素养较低，就无法达到高中美术教育教学的要求，无法给予学生专业的指导，这不仅会影响学生能力的培养，也阻碍了高中美术教学的顺利进行。因此，提升教师自身素质是提高美术教学质量的主要途径之一。作为美术教师，我们应在日常生活和教学中，不断学习、不断反思，积极参与各种培训，从而提升自身专业知识和教学能力，更好地开展美术教学。
（四）完善评价体系
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一、科学的学习方法与良好的心理素质是取得成功的保证。学习过程中，有的同学作画非常刻苦、勤奋，但进步很小，甚至长时间停止不前，这往往就是学习思路和学习方法有问题。表面上看，他们老老实实，勤勤恳恳，但他们不知道及时总结经验，不善于开动脑筋思考问题，不知道解决什么问题，也就更谈不上如何解决问题，出现了盲目蛮干主义。这怎能取得好的学习效果呢？因此，及时调整学习方法和思路，提高学习效率，以适应高考要求是至关重要的。特别是临战状态下的广大考生，更要注意研究和采用科学的学习方法，以避免走弯路，影响学习进步的速度。
二、明确学习目标，有计划、有针对性地解决好自身所存在的问题。常言道：知己知彼，才能百战不殆。就是要求我们首先要弄清自己的学习状况，存在哪方面的问题，针对性地去克服与解决。比如：有的同学造型阶段比较好，但明暗调子表现较差；有的整体表现形象的能力还可以，但构***方面老出问题；还有的同学比例构***解决得不错，但对形象结构理解不到位或体积塑造能力较弱，空间感表现差等等。考前这一段时间，就要针对这些情况，制定相应的学习计划，有针对性地去解决这些问题；另一方面，要根据自己的理想、爱好和愿望，选择适合于自己的院校或系科。不同院校、不同系科专业考试的要求会有所不同，考生就要针对性地进行学习与训练。例如：设计系科的要求和传统绘画系科的要求侧重点就有所不同。不同院校的命题、作画要求和评分标准也都有一定的差异。因此，必须有明确的学习目标，并针对所报考院校具体要求，制定行之有效的学习方法。这是考前训练取得成功的重要方面。
三、科学的观察方法与饱满的热情是画好一张作品的前提。作画者要力求在较短的时间里进入角色，达到最佳的竞技状态，切忌漫不经心、胡思乱想、精力不集中。动笔之前，要有一个充分感受被画对象的过程，包括对象的基本形体比例、明暗层次、气质、环境、个性特点等，把对象的整体感受印记在脑海里，并认真思考需要采用的方法与手段，包括构***、工具、绘画风格等。即“胸有成竹”，意在笔先。好多考生不注意这一阶段，盲目下笔，往往出现改来改去，犹豫不决，手忙脚乱、顾此失彼，最后导致作画失败而影响个人正常水平的发挥。考前辅导阶段一定要注意这一环节。在作画过程中，要始终做到从整体上观察与刻画形象，而使局部服从整体，并不是一件很容易的事。不能被局部所吸引，死抠某些局部而忘记、忽略和画错整体特征。好多学生不是从整体出发，而是看一点，画一点，并不断变换观察尺度和基准，使画面形象不能形成严谨的基本形。导致画面琐碎、杂乱、孤立。同时作画只能从局部下笔，一笔一笔完成，客观上也容易养成从局部出发看问题的不良习惯。教师须及时引导和提醒学生，要认真、投入、快速，采用跑动或移动观察的方法，把对象鲜活、生动的第一印象和基本特征迅捷地表现出来。观察时力求做到上下左右同时看，画左边，看右边；画上边，看下边。促使学生整体观察、整体思考对象的各种关系，从而摆脱局部观察的不良习惯。
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为了考生能对我们学校的要求有所了解，在素描考试中取得好成绩，我们对历次考试中，考生暴露的问题加以归纳总结，分列如下：
缺乏整体观念
这是不少初学者和考生共同的毛病，由于他们缺乏长期性作业的训练，在考试中不是在整体观念的指导下全面推进，而是急于求成，急着出效果，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，因而造成局部相互之间关系无法很好地衔接。常常是某一部分已经画得非常突出和完整，而其他部分还是空白的，其画面效果可想而知。 一个整体是由若干个局部组成的，没有局部的整体，是空洞的不真实的；然而，没有整体的局部，再精彩、再深入也是毫无意义的。因为素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“想法”和如何观察事物的“看法”。离开了这两点，素描练习也就失去了它的意义。有人说：“素描就是比较，比较，再比较。”这话虽然有点片面，但也是有一定道理的。既然整体是关系到一幅素描作业的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得非常重要。如何解决这种关系，就是靠比较的方法，比色调的深浅，比形体比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较画出来的物象，才是客观对象真实存在的一面。 缺乏理解对象
物体的起伏凹凸，明暗虚实关系，都是光线作用于物体的内在结构的外部表现。要想深入地刻划对象，必须要做到“知其所以然”，要研究其内在结构关系。有的同学面对模特儿，不是积极主动地由表及里地分析研究对象，不去研究外部表象的内在成因，而是机械被动地抄袭对象，哪些地方深点，哪些地方浅点，他就把这种深浅变化照抄下来，至于这深和浅意味着什么，却知之甚少，或一无所知，因此，很难深刻地、真实地表现对象。 缺乏敏锐感受
有人说世上所有的人，没有绝对相同的面孔，每一个人都有区别于他人的相貌特征，即使是双胞胎也不例外，他（她）们也都有别人不易察觉的差异。捕捉对象的特征和独具个性的差异，是素描训练的根本任务。但是在素描写生的过程中，常常看到有的学生不管画谁，不管对象的长相如何，气质怎样，都画得像一个人，模特儿似乎成了摆设，成了他们胡编乱造的参照物。这种现象有一定的代表性。这里有初学时期老师指导上的失误，还有考生自己认识上的误区。有的考生错误地认为：模特儿像不像没有关系，只要画面效果好就行，反正评分的老师也不知模特儿什么样。像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的惟一标准，但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面，概念化，脸谱化等等。而这些毛病一旦形成就很难纠正。这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。无疑，这样的试卷是无法得到高分的。 缺乏画面把握
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美术学专业教学体系中传统教学模式的弊端导致学生偏重技法的学习.而忽视民族文化的培养 :偏重于造型元素的认知.而忽视民族美术元素的继承:偏真实写生.而忽视感性理解与理性分析的结合 所有这些对美术基本理论体系的忽略.将无法使美术教学接近认识和全面深入理解中国传统文化.将导致我们丢失民族美术的记忆 教师只有充分尊重民族美术传统理论和传统美术思维方式 .在教学中增加广泛的美术系统文化和中国传统理论的课程.重视领悟民族艺术的神髓.才能构成美术学教学新体系二、美术学专业教学体系中开展中国传统美术理论的对策研究(一)建立美术文化的教学理念.培养完美人格中国传统绘画十分重视艺术审美认识 、人文启示的作用。对人格的崇尚是中国传统美术所追求的重要人文内容 中国传统美术描绘 自然的同时注重理想、情感 、志向等主观因素的表现。“抒情言志”“借物咏情 ‘言志喻德”构成了中国传统美术表现的主要内涵 因此.衡量美术作品的优劣.常常不在作品本身,而是在于画家的品格与修养 纵观中国传统画家,以雅人高士、英雄豪杰、读书明理者张 强 (石家庄学院 050000)居多.他们所创作的作品能够达到以情感人 、以情动人的目的.体现了中国传统的审美情感与人文情结 教育的终极 目标是达到人格的完善.中国传统美术教学就已经明确了审美教育的核心是培养人格、心性 、品德 、人文等重要方面。以传统儒、释、道哲学为主体的文化体系发展起来的中国传统美术精华在于追求真善美的统一。作品高逸的境界、超拔的精神、隽永的意味、精妙的笔墨是审视和衡量艺术品质高下的完整标准.缺失了其中的任何一方面.就相当于缺失了中国传统美术特有的艺术精髓在教学中.教师要重视对中国传统美术观念审美认识和启示作用.培养学生健康的心理和审美趋向,引导其对真、善、美的完整追求。因此.教师决不能只培养学生掌握某些单纯技能.而是要在技法的训练中使学生领悟中国传统美术特有的人品与画品、心境与画境的内涵.并有意识地注重培养学生的学养、品格、气质和心性,使他们对形象的刻画、笔墨的运用忠实于自己的真挚情感 只有这样.才能潜移默化地感染学生 .提高学生的综合素质.完善学生的人格.这也是当代艺术教育的方向。
(二)优化课程结构,强调文化传承美术学专业的学生虽然经过两年的普修美术理论.但传统艺术文化修养还是非常欠缺的 学校艺术教育应当是一种艺术文化教育和情操教育 一个人不懂得本国的艺术史和世界艺术史.就不能说他懂得艺术。我们要通过加强传统美术文化的教学.提高学生对美术的理论研究能力.只有丰富广博的理论学识.才能激发艺术创造的灵性及胆略;只有正确深厚的思想修养.才能使艺术创造获得深刻的意蕴及不朽的内涵:只有纯真、高尚的人品.才能使艺术品具有高雅、脱俗的品格。
课程结构方面在于理论研究领域的拓宽与介入.教师要把美术传统理论合理地安排在课程体系中.促进理论与实践的协调发展.这样才能使学生真正达到素质教育的要求(三)解决重技法,轻文化的教学模式强化教育的意识 .避免将技能技巧作为唯一教育目标 建立以精品与经典为师的课程观.以历代精品名画作为摹写鉴赏之本.提高学生的眼力品味.教学的重点指向更为广泛的文化层面.教学目标更注重培养学生的文化修养。通过对中国传统美术课程的学习.学生不仅可以掌握一定的中国传统美术知识与技能.而且可以在学习过程中形成对中国传统美术文化的综合学习.包括中国传统美术方面的思维、表现、审美、评鉴、情感等品质。
(四)解决单一的教学方法
我们要改变以往教师以练习为主的教学方法.在教学中要富于创新精神与自由表现的意识 .开发学生的艺术表现、启发学生的艺术见解 在教学过程中适时地向学生作多方面的美术文化信息传达.形成以传授艺术为重点的课程设计 美术理论的教学应从理论讲述中解脱出来.融人课堂教学活动实践.在教学中通过与学生互动的方式使学生理解更多的美术文化知识,受到传统美术文化的陶冶。
(五 建立合理的作业评价体系
不同学生.在艺术表现上也有不同的能力,因而作业效果会有较大差别。教师在评价作业时要注重作业的内在处理与美学理解有些表现能力欠缺的学生.但对美术文化的理解和接受能力会好些 他们关注和思考的问题较多.但是由于技法不够成熟.所以无法更好地表达自己的艺术感受。但作为教师我们应及时发现并给予肯定.要鼓励学生对美术理论的思考.使他们增加学习美术文化的兴趣和自信.而不应以作业效果作为唯一标准来磨灭他们对美术思考和钻研的兴趣 我们的美术教育应该成为面向全体学生的美术文化教育。
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关键词：研究方式；美术史论；文献综述
美术能够给人带来美的享受，提升人们审美意识和水平，研究美术史论，不仅可以丰富美术史上资料，更有利于促进现代美术持续发展，在研究过程中，应注重研究方法的使用，选择最恰当的方式，提高研究过程的效率和质量。研究方法主要是指科学活动中会采用的程序、系统思考等，以科学的研究方法探讨美术史论，为美术学界提供研究成果的同时，还促进各领域相互交流，如美术史论资料可以为历史研究、文学研究提供参考依据，论证那个年代的艺术发展情况。
一、美术史论研究方法文献综述
（一）整体化美术史论研究方法
基于美术史论的发展过程，“整体化”的研究方式都占据着重要地位，其将美术史历史当成一个完整的结构，并运用整体理念阐述、解释历史现象，从而确保历史分析过程内在的科学性。使用整体化美术史论研究方法的代表人物有德国著名美术史研究学者帕诺夫斯基，其也是探究***像学的典型代表，为美术史研究作为了重大贡献，主要有以下两方面的内容：一是丰富阐述美术作品题材[2]，将艺术现象寓于整体文化环境中，明确每一件美术作品代表的含义，并将文化符号赋予重新的生命力，共同推进文明进程，在实际研究过程中，必须清楚把握符号之间的关系，对美术作品进行准确、全面的解释；二是创造重新体验美术作品的条件[3]，构建具有感染力的文化环境，从整体的角度出发，重新在当时的文化背景下体验美术作品。
在研究美术史论的过程中，应充分挖掘、利用相关历史文献资料，促使研究人员更深入的理解美术作品。随着美术史论研究方式的多元化，其研究成果不断增多，相关学者应及时将其补充到美术史论文献资料中，以科学为前提，在交流理论的层次上补充、转化美术史论研究观念。
（二）美术史论研究理论体系
研究美术史论属于艺术领域中***的一门学科，就其在西方的发展历程而言，已经构建了系统、完整的理论体系，并与现实中美术实践、创作相分离而自成具有特色的体系[4]。但该类研究在我国的起步较晚，自改革开放以来，美术史论才逐渐发展并充实，经过近几年的研究，已经开始填补部分空白，在一定程度上丰富了美术史论的研究成果，并通过不断修正、完善，我国的美术史研究正慢慢重新构建科学体系。
在研究美术史论的过程中，研究方式可以参考1974年学者马克・罗斯基尔缩写的《什么是艺术史》，该著作中提出美术史论研究对象具体时间、风格、真伪辨识标志和来源等，并再次强调绘画的实际意义和某些被世人遗忘的艺术家们，该书作者坚持认为美术史论是一门具有技术和原理的科学，不能够仅凭研究人员直觉猜测、定论。随着美术史论研究的不断深入，该领域逐渐朝着研究理论多元化和跨学科化的方向发展，出现该趋势的原因主要有：美术考古研究的发展、博物学和美术知识体系的完善、文化知识、意识的提高。就具体实例而言，如中国历史中美术史大家不仅是理论学家，更对美术作品有自己的一番理解，也是一名优秀的鉴赏家，如苏轼，从以上分析可知，跨学科化是传统美术中就存在的特征。进入到20世纪后，美术史论不再局限于博物学、鉴赏学科，而更多的涵盖文学、心理学、哲学、宗教学等，这种跨学科化的特征是依据美术史上综合型学者。在研究不同时代的美术艺术时，发现每个时代的研究方式有存在相似之处，比如史学家会收集不同时期的文学资料，考古学家会比较挖掘出的视觉证据，人类学家主要根据传统风俗或信息，对那一阶段的艺术进行考察。中国的美术史论强调研究传统文化，可以采取前因后果或者“直线”思维的研究方法，如董其昌根据此方式，将我国传统美术史分成“北宗”和“南宗”。
（三）选择美术史论研究范围
波兰著名历史学家―丁・托波斯基在著作中《史学方***》中指出，选择合适的美术史论研究范围是史学使用方式的主要任务，学者需要对自身研究范围提出针对性问题，并根据相关的文献资料回答出问题。为更好地实现这一目的，应运用到“观察”的基本方式，对文献资料知识、真实性进行验证。
目前美术史论应着眼于整体、着手于局部，依据实际情况，建立起完善的美术史论新体系，全面分析美术史中出现的新材料。首先，收集、统计、整理、分析历史材料，美术史论是一个不断发展的历程，集人类文明和美术自身特色于一身，系统的美术史论应加入更多大众美术，如雅俗文化、高低文化等；其次，收集现代人的美术资料，西方很多发达国家的美术史论研究学者都采用前瞻型研究方式，研究当代对美术领域有杰出贡献的艺术家作品，以供后人参考。
二、典型美术史论文献综述
（一）研究傅抱石美术成果
研究傅抱石的美术成果的作品主要有《傅抱石的中国美术史论研究》、《傅抱石与中国现代美术史学》等，该类文献资料主要从美术史观、叙述模式等方面入手，逐一阐述有关傅抱石的美术史论成果。
（二）研究滕固美术成果
滕固曾在日本留学，专攻艺术史和文学，后又经自身努力，在德国获取美术史学博士学位，目前研究滕固美术成果的文献资料有《滕固与近代美术史学》（薛永年）、《滕固博士学位考》等，在这一类著作中，都阐述了滕固史学的重要意义，并结合其实际发展需要，分析滕固史学中蕴含的美术模式。滕固对于美术史论研究方式的贡献在于构建新的方***，其将风格学与***像学相融合，并运用到美术史论中。
三、结语
综上所述，随着美术史论研究方式的逐渐增多，有关的文献综述不仅在数量上变多，质量也得到了大幅度上涨。在研究美术史的过程中，人们认识且感兴趣的内容并不代表着需要否定其他方面的艺术史解释，这一发展过程可以看成最原始的阶段，神秘等思想逐步转向现代化思想，在美术史中，主要采取叙述史实的方式，以创作人物或者作品，并会根据其发展评论。
【参考文献】
[1]张雪娇.艺术教育与艺术学学科建设的创新思维――评柴永柏、曹顺庆主编《艺术学导论》[J].艺海，2015（11）：124-127.
[2]祝帅.学术史视野中的“文字”与“书法”――二十世纪文字学与书法研究的学科关联及其反思[J].东方艺术，2015（24）：120-131.